Tekening

Basiese tekeninge: die opkoms van tonale tekening

Basiese tekeninge: die opkoms van tonale tekening

Tonale tekening - die samestelling van relatiewe waardes, die idee om massas te sien eerder as omlyn te gee - herhaal die manier hoe mense sien as om lyne te sien. Hierdie emosionele manier om die wêreld uit te beeld, is sedert Leonardo ondersoek; moderne kunstenaars het dit bemeester.

deur Ephraim Rubenstein

Die Latynse leuse "Nulla Dies Sine Linea", of "Geen dag sonder 'n lyn", is op die seël van die Art Students League van New York in Manhattan opgeskryf. Die woorde kom van Plinius die Ouere en vorm deel van sy verhaal oor die ywer van die groot Griekse skilder Apelles: “In die algemeen was dit 'n permanente praktyk dat Apelles nooit so besig was om die dag se sake uit te voer dat hy nie geoefen het nie. sy kuns deur 'n streep te trek, en die voorbeeld wat hy stel het neergekom as spreekwoord. ” Inderdaad 'n lofwaardige bevel. Dit vermaan die kunstenaar om voort te gaan met die daaglikse tekenpraktyk en om voortdurend op sy hoede te wees. In hierdie diktum gekodeer, is daar egter verskillende aannames. Die eerste is dat teken die basis vorm van alle kunste; en tweedens vorm die reël die basis vir teken.

Geelroos VI
deur Ephraim Rubenstein, 2002,
grafietpoeier op geel
voorbereide vraestel, 22 x 30.
Privaat versameling.

Die assosiasie van basiese tekeninge met lyn is diep ingebed in die meeste mense se gedagtes, soveel dat die algemeenste ontwyking van enige talent in die kuns die vermoeiende is, "ek kan nie eens 'n reguit lyn trek nie." As u iemand vra om iets te teken, sal sy of haar tekenidees altyd lineêr en streng gesproke beperk wees tot 'n kontoer. Dit is sinvol, aangesien lyne hulself leen tot vinnige beskrywings van voorwerpe en die vinnige oordra van inligting oor die voorwerpe. Lyne skei mekaar en is daarom 'n geweldige hulpmiddel om duidelikheid te bewerkstellig. Op hul mees rudimentêre vlak funksioneer hulle as piktogramme - soos in stokfigure - of as een of ander vorm van hiëroglief. Verhoog tot op die hoogste vlak, soos in 'n Ingres- of Degas-tekening, is lyne pragtig — pragtige voertuie vir vorm, beweging en ritme.

Maar daar bestaan ​​langs die taal van die lyn die taal van die toon, 'n taal wat nie op reëls gebaseer is nie, maar op die samestelling van relatiewe waardes. Dit is 'n skilderagtige manier van teken, sien in massas eerder as in buitelyne. In tonale tekening trek die oog van die kante van die dinge af weg en sien dit in plaas van liggies en skaduwee. Terwyl lineêre tekening grense bevoordeel, is tonale tekening daarop gemik om hierdie grense op te los en die kwaliteit van lig en atmosfeer te beklemtoon wat alle voorwerpe in die visuele veld verenig. Dit is 'n emosionele, onmiddellike manier van sien, nou verwant aan visie. Binne die lang geskiedenis van teken, is dit 'n meer onlangse ontwikkeling wat na vore kom uit lineêre tekening. Maar tonale tekening is 'n taal met 'n geskiedenis en 'n afstamming, en baie hedendaagse kunstenaars vind die kenmerkende stem boeiend.

Laura sit saam
Haar arms gekruis

deur Wendy Artin, 2002,
waterverf, 8 x 10.

Tonale tekening het ontwikkel vanaf lineêre tekening deur die evolusie van materiale en praktyke. Vroeëre tekeninstrumente, soos die metalpoint-stylus en die gans- of kraaibal, was baie hard en is gebruik in samewerking met ewe ondeurdringbare oppervlaktes soos perkament en vellum. Aangesien hierdie oppervlaktes in die 13de eeu plek gemaak het vir die verspreiding van linne- en katoenlappapier, het die gebruik van breër, sagter werktuie moontlik geword.

Hierdie evolusie hou ook verband met veranderende behoeftes en doelstellings vir teken. Vroeë tekeninge het hoofsaaklik as voorbereidings vir skilderye gedien, en het dus duidelike buitelyne gehad wat maklik na houtpanele of fresco-mure oorgedra kon word. Hulle moes hoofsaaklik as sjablone funksioneer, soos in fresco-tekenprente. Gebruik vir hierdie doel, het die tekeninge 'n groot voordeel gebring deur duidelike kontoere te hê wat die een vorm van die ander skei. Namate fresco's groter geword het, en namate vodpapier vir tekenprente meer beskikbaar geword het, het breër tekeninstrumente soos swartkryt in gewildheid toegeneem. Aangesien freskoskilderye in die algemeen plek gemaak het vir die verf van linne met olie, kon kunstenaars direk op die doek teken en die werk tydens die skilderproses aanpas. Gevolglik was daar 'n laer premie op vaste buitelyne. Namate belangstelling gegroei het in die voorkoms van die visuele veld, met die veranderende effekte van lig en atmosfeer, het dit minder belangrik geword om die kontoere te beklemtoon.

Studeer vir Boy Lincoln
deur Eastman Johnson, 1868,
houtskool, wit kryt, en
gouache op papier, 14 x 12¾.
Versameling Detroit Instituut
of Arts, Detroit, Michigan.

Net so algemeen soos in die verlede, is die kontoer 'n kunsmatige konstruksie. Ons sien nie in lyntjies nie, maak nie saak hoe gewoond ons is om voorwerpe daarmee af te baken nie. As ek by die venster uitkyk en die rand van 'n gebou teen die lug sien, sien ek per se geen lyn nie. Ek sien 'n massa donker toon wat aanmekaar gesit is teen 'n massa baie ligter toon, en die punt waar hulle mekaar ontmoet, skep 'n voorsprong. Hierdie randverhouding kan moontlik op 'n verkorte manier met 'n lyn beskryf word, maar dit kan ook meer volledig beskryf word deur die tonale verhouding tussen die twee massas te skep waarvan die kongruensie die voorsprong maak. In tonale tekening is daar rande aan massas, eerder as lyne tussen hulle. Om 'n lyn vir die rand van 'n waardeverhouding te vervang, is om iets wat nie daar is nie, te vervang met iets wat daar is. Daarom lyk lineêre tekening meer abstrak en intellektueel. 'N Reël lyk intellektueel nie omdat dit nie gevoel het nie - want wat meer emosioneel kan wees as 'n Leonardo-silwerpuntlyn - maar omdat ons nie in reëls sien nie en daarom moet dit gedekodeer of geïnterpreteer word. Geplaasde kleure, so baie nader aan visie, lyk baie meer onmiddellik.

Benewens die feit dat hy 'n sublieme lineêre tekenaar was, was Leonardo 'n deurslaggewende figuur in die opkoms van tonale tekening. Hy werk in 'n tyd van ongekende nuuskierigheid oor die visuele veld en ondersoek wat die oog eintlik sien. Hierdie belangstelling het saamgeval met die verspreiding van olieverfskilderye, en op die beurt daartoe gelei, wat kunstenaars die tegniese middele gegee het om hierdie waarnemings op te neem. In Leonardo se era was daar 'n wesenlike verskuiwing van die sien van voorwerpe as simbole na die agting vir hul materiële werklikheid. Leonardo se geskrifte is gevul met waarnemings oor hoe voorwerpe op die oog verskyn, oor lig en skaduwee en die versagtende gevolge van atmosfeer en afstand. Baie van hierdie denke spruit uit sy studie van optika en lugperspektief in landskap. Dus wanneer hy kunstenaars raad gee oor skilderkuns uit die natuur, skryf hy in sy Trakte oor skilderkuns as 'n suiwer tonalis: 'Die einde van enige kleur is slegs die begin van 'n ander, en dit moet nie 'n lyn genoem word nie, want daar is niks tussenin nie. behalwe die beëindiging van die een teen die ander, wat niks op sigself is nie, kan nie waarneembaar wees nie. ' Leonardo kon uiteindelik die ontdekkings neem wat hy in olieverf gemaak het en dit op die tekening toepas. Hy gaan voort: “Sorg dat die skaduwees en ligte in mekaar verenig of verlore gaan sonder harde strepe of lyne; soos rook in die lug verloor, so moet u ligte en skaduwees van een na die ander oorgaan sonder enige duidelike skeiding. ”

My Vader op 93
deur Carlos Turbin, 2004,
grafietpoeier op voorbereide
papier, 16 x 13½.

Dit het uiteindelik 'n persoonlike estetika vir Leonardo geword, 'n manier om die natuur net so te interpreteer en aan te bied as om dit te sien. Sy naam het sinoniem geword met die sfumato (rookagtige atmosfeer) wat alles in sy werk bad. In die hoof van die maagd in die driekwart-aansig, na regs, leun haar kop gunstig in die tekening, en haar donker slotte val soos lopende water neer. En rook, soos rook in die lug verloor, tree sy op in ons eie atmosfeer, soos 'n dier wat iewers vriendeliker en grasieuser is as hier. Die tonale gradasies is so delikaat dat 'n mens nie van naby af kan sien waar 'n skaduwee eindig en 'n lig begin nie. Anders as die meeste van sy Florentynse tydgenote, voel Leonardo nie die behoefte om 'n streep rondom alles te gooi nie, maar hy laat dinge toe smelt, oplos, opduik en trou soos in die visuele veld.

Ander paaie na tonalisme het ontstaan ​​uit 'n toenemende belangstelling in die uitbeelding van ongewone effekte van lig, soos in nagtoneel wat deur brande, kers of maanlig verlig word. Een so 'n merkwaardige vroeë voorbeeld is 'n tekening deur Guercino vir een van sy fresko's in die Casino Ludovisi. Sit vrou wat 'n boek lees is 'n studie vir die allegoriese figuur van Night wat een van die lunette op die grondvloer beset. Haar rol as die verpersoonliking van Night, en Guercino se gevolglike belangstelling in hierdie spesifieke beligtingstoestand, het 'n oorgang tot tonele denke veroorsaak. Wat hier van kardinale belang is, is nie soseer die houding van die figuur of haar verhoudings nie, maar ook hoe sy aangesteek is. In hierdie studie het die effek van lig self die onderwerp geword van die werk, en die gebruik van ligte en donker kolle het baie belangriker geword as die aanvanklike lineêre onderbou. 'N Later voorbeeld van dieselfde verskynsel kom voor in die magiese studie van Eastman Johnson The Boy Lincoln, 'n tekening van houtskool en wit kryt wat Abraham Lincoln as 'n seun uitbeeld, voorgelees aan die lig van die vuur.

Untitled
deur Diego Catalan Amilivia, 2005,
grafiet, 18½ x 14.
Versameling Art Students League
van New York, New York, New York.

'N Verdere faktor wat daartoe bygedra het om 'n beweging na tonaliteit te bewerkstellig, was die verspreiding van tekeninkies uit die Oriënt, veral die bekendstelling van Chinese of Indiese inkstokkies in die 17de eeu. Hierdie ink is buitengewoon draagbaar en kan buitenshuis gebruik word in tekeninge oor landskapswas, waar die vangs van effekte van lig en skadu van die grootste belang is. Die ontluikende plein-lug-landskapbeweging het 'n meer tonele siening uitgelok omdat dit soveel meer gebaseer is op wat kunshistorikus Heinrich Wölfflin in sy boek die 'verskuiwing' van die dinge "noem. Beginsels van kunsgeskiedenis (Dover Publications, Mineola, New York). Terwyl 'n figuur in die ateljee of 'n stillewe voorwerp op 'n tafelblad op een of ander vlak kenbaar is, is daar nie 'n boom in die mis of die sonlig wat van die rivier se oppervlak skyn nie.

Die verstommende swart Conté-kryttekeninge van Georges Seurat, uitgevoer op sy begunstigde Ingres-papier, breek die konsep van tonaliteit wyd oop. Skielik het kunstenaars die moontlikhede besef om slegs in terme van liggies lig en donker te sien. Nog nooit tevore, en selde sedertdien, was daar sulke gekonsentreerde dade van pure siening nie. As alle tekeninge bestaan ​​uit die opname van een of ander kombinasie van wat ons sien en wat ons van voorwerpe of die visuele veld weet, dan is Seurat die voorkeur om te sien as om te weet, in 'n ongekende mate. Hy kyk na die natuur asof hy nie weet wat iets is nie, maar kon net die vorm en toon daarvan waarneem. Hy het die wêreld hoofsaaklik gesien as rangskikkings van silhoeët en waarde, met inagneming van die hele visuele veld, en nie net die voorwerp nie. Volgens kunstenaars Mark Karnes is sy tekeninge 'intens demokraties. Dit is asof hy sê dat lig nie diskrimineer ten gunste van een of ander ding nie - dit is net daar vir alle dinge die heeltyd. '

Seurat kon daarin slaag om suiwer waardes verder te sien as wat dit voorheen gedruk is. Maar selfs hy was nie dogmaties oor die gebruik van lyne nie, of die idee dat lineêre gedagtes nie 'n belangrike rol kon speel in die struktuur van 'n tonale tekening nie. In werklikheid is dit dikwels die spanning tussen die lineêre en die tonale elemente wat die tekening opwindend maak. Veral vroeg het Seurat self 'n soort kalligrafiese gekrabbel binne sekere tonale gebiede uitgebuit wat tekstuur en energie geskep het. Baie kunstenaars, soos Francis Cunningham, gebruik 'n delikate aanvanklike uiteensetting om die basiese vorms en hul plasing op die bladsy vas te stel. Maar hierdie uiteensetting funksioneer grotendeels as 'n kaart om vir hom te sê waar hy sy waardes moet plaas, terwyl hy begin toon aan toon. Omdat Cunningham se tekeninge dikwels uiters delikaat en suggestief is, sal 'n handjievol waardes voldoende wees om 'n hele wêreld te skep. Die oorblyfsels van die oorspronklike skema begin dan as 'n foelie om u te wys hoeveel werk 'n handjievol waardes verrig het.

Die kunstenaarsmoeder
deur Georges Seurat, 1882-1883,
Conté, 12? x 9½.
Versameling The Metropolitan
Museum of Art, New York, New York.

Edwin Dickinson, een van die grootste moderne tekenaars, maak ook van tyd tot tyd gebruik in sy tonale tekeninge. Dit funksioneer, net soos by Cunningham, as 'n aanvanklike kaart of, later in die tekenproses, as 'n manier om 'n verlore argitektoniese element te vind of te bereken. 'N Mens kry ook die gevoel dat Dickinson af en toe reëls gebruik as visuele leestekens - om jou in die oog te kry, dit iewers heen te lei, te vertraag of selfs te stop. Hierdie lineêre gedagtes is deurslaggewend vir die spanning in die tekening, hoewel hulle as aksente bestaan ​​binne die konteks van 'n heerlike, sagte tonale veld wat die las van die uitdrukking in die tekening dra.

Tonele trek voorregte om te weet - die skynbare onderwerp, die 'wat dit is', is minder belangrik as die 'hoe dit lyk'. Soos kunstenaar en instrukteur Charles Hawthorne daarop gewys het, weet almal dat 'n stuk steenkool donker is en die wit bladsye van 'n oop boek lig is. Maar 'n mens kon die swart steenkool in die sonlig plaas en die oop boek in 'n diep skaduwee dompel en die waardeverhoudinge sou omgekeer word. 'N Voorwerp kan so in die skaduwee wees dat ons nie eers weet wat dit is nie. Tonale tekening, vanweë die klem op die sien, laat jou oop vir die onverwagse van die visuele wêreld, vir die onvoorspelbare. Dit plaas jou reg in die middel van 'n stryd tussen wat jy glo daar buite is, en wat daar eintlik is.

In die twee gordynstudies van Francis Cunningham is die gordyne die geleentheid eerder as die onderwerp van die tekening. Cunningham het die objektiewe werklikheid van die voorwerpe - stoel, gordyne, modelstaander - vertraag, selfs al is dit herkenbaar en vorm dit 'n belangrike deel van die stuk. Maar die rangskikking van die voorwerpe, die ritmes wat hulle lewer, die gloeiende lig in die een en die simfoniese sweep van skaduwee in die ander - dit is die temas van die tekeninge. Die stukke bring die waarheid voor dat ervaring wesenlik abstrak is, dat dit wat ons sien, lig en skadu is, selfs terwyl ons voorwerpe daarin herken.

Hierdie demokratiese blik op die visuele veld, so eenvoudig soos dit lyk, is vreemd vir die meeste mense se opvatting van teken, wat geneig is om voorwerpe te skei. Dink aan die tekening van akademiese figure, waarin die figuur uit die konteks verwyder word deur dit in 'n leë veld te isoleer. En alhoewel hierdie kwarantinering van die eensame voorwerp ons ondersoek daaraan kan versterk, kom ons dikwels sterker na die onnatuurlikheid van die situasie as oor die realiteit van die voorwerp. Die kontoer van die figuur, so mooi as wat dit ook al is, funksioneer as 'n soort omhulsel, en trek die voorwerp uit die buiging en vloei van die lewe. Tonale tekening poog om die voorwerp weer in sy konteks te plaas en te sien in terme van sy verhouding tot alles rondom hom.

Mark Karnes is 'n meester van hierdie aspek van tonale tekening. Jy beweeg oor 'n Karnes-tekening eerder as om na een ding daarin te staar. Al die dinge in sy tekeninge word bepaal deur wat langs hulle staan. Anders as die hiërargie van 'n akademiese tekening, waarin u gevra word om slegs na een ding en een ding te kyk, is die verhouding tussen dinge wat bymekaar kom, hier belangrik. 'N Winterboom kan slegs geken word op grond van die donker dak daaragter; die meer massiewe skaduwee van 'n gebou bo-op is heeltemal afhanklik van die fyner skaduwee van 'n boom onder.

Karnes se werk is ingewikkeld om te sien. Eerder as om 'n huis of 'n motor te teken, trek Karnes 'n ruimte en 'n soort lig wat toevallig 'n huis en op hierdie oomblik 'n motor daarin het. Die atmosfeer is so mooi vasgevang dat ons voel dat ons daar was, selfs al het ons dit nie gedoen nie, en die beeld brei in ons gedagtes uit soos 'n aanhoudende herinnering. Karnes doen ook talle inkwas-studies oor onderwerpe wat hom interesseer. Soos Claude en Constable, vind Karnes ink 'n geweldige onmiddellike materiaal. Dit verkort die tyd tussen die sien van die onderwerp en die opname daarvan, sodat hy daarop reageer met 'n onmoontlikheid in enige ander medium. Met die oog daarop hou hy hierdie studies buitengewoon klein sodat hy aan die impuls kan oorgee en nie hoef te bekommer oor die struktuur van 'n groter werk nie. Dit is alles met een blik op die bladsy leesbaar.

Baie dieselfde kan gesê word vir Wendy Artin se pragtige figuurstudies in waterverfwas. Haar reaksie op die patrone van lig en skadu wanneer hulle die figuur tref en beskryf, is so onmiddellik dat ons voel dat ons regtig na iets kyk wat in beweging is. Haar modelle dans voor ons - eers is hulle daar en dan nie. Sy spreek hul gloed uit deur met die papier aan die ligte kant van die figuur te trou, sodat die vorm aan die skadukant kan verskyn met 'n behoorlike was van die kwas. En al gloei hulle met lig en beweeg soos in 'n oogwink, word 'n geloofwaardige figuur onder beskryf. Artin verloor nooit die struktuur of kompromitteer die wesenlikheid van haar figure nie. Hierdie kombinasie van beweging en voelbaarheid is wat dit so oneindig sensueel en grasieus maak.

Soos 'n skildery, kan 'n wonderlike tekening 50 voet verder gelees word. Die dramatiese staande figuur van Reid Thompson word teen die lig gesien, en alles op die tekening konvergeer op die gloeiende agterlig wat die rand van die model se kop, skouer en bors omring. Halfpad deur die tekening het Thompson die veld rondom die figuur gemasseer en verduister om alles vreemd te verwyder. Hierdie vermoë om elemente by te voeg, uit te haal, hele massas op te lig of te verduister en om wesenlike veranderinge aan te bring, maak tonale tekening baie aantreklik vir skilders. Dit is baie naby aan skilderkuns, wat die proses betref, en is 'n skilderagtige manier van dink.

Om tonale tekening te verken, is dit belangrik om materiale en metodes te gebruik wat hulself tot tonele denke verleen. 'N Silverpoint-pen of 'n harde grafietpotlood sal nie die werk doen nie, want hierdie instrumente is gewy aan die neerlê van lyne. Maar grafiet kom byvoorbeeld in poeiervorm. Dit kan met 'n stomp of verkleurmannetjie in massas toegedien word sonder enige lyne. Om op hierdie manier te werk voel baie soos om swart en wit te skilder. Anders as houtskool, wat droër is en geneig is om weg te vlieg en te versprei, het grafiet 'n effense olierige kwaliteit wat baie presies sal wees waar dit geplaas word. As gevolg hiervan is dit in staat tot groot delikaatheid en detail.

Of jy kan 'n stuk Bristol of warmgedrukte waterverfpapier neem, die hele vel met 'n medium toon grafietpoeier bedek, en sonder om voorlopige lyne te gebruik, weer terug te werk in die toon en die liggedeeltes met 'n geknede verwyder. uitveër. Carole Turbin se roerende portret van haar vader is 'n voorbeeld van hierdie metode. So subtiel te werk is 'n uiters buierige en emosionele benadering, omdat die figuur letterlik uit die duisternis getrek is. En Turbin reguleer die intensiteit van die lig deur die druk, net soos met 'n konvensionele tekening, behalwe dat dit omgekeer is - hoe harder jy druk, hoe ligter word die toon.

Daar is 'n oneindige reeks ekspressiewe moontlikhede in tonale tekening. Of jy nou oorgee aan die suiwer voorkoms, soos in 'n Cunningham-gordyn of 'n sonstraal van Karnes, of jy gaan na die natuurlikheid van die onderwerp, soos in Diego Catalan Amilivia se ongetitelde, verbluffende grafietportret. sien in aangrensende waardes, eerder as in lyne, en smelt van die grense wat dinge bevat. Soos Wölfflin so mooi geskryf het: 'Sodra die waardevermindering van die lyn as die grens plaasvind, word daar skilderagtige moontlikhede ingestel. Dan is dit asof alles op enige punt verryk word deur 'n geheimsinnige beweging ... Vorms begin speel; ligte en skaduwees word 'n onafhanklike element; hulle soek en hou mekaar van hoogte tot hoogte, van diepte tot die diepte; die geheel neem die skyn aan van 'n beweging wat voortdurend voortduur en nooit eindig nie. '


Kyk die video: PSY - GANGNAM STYLE강남스타일 MV (Junie 2021).