Tekening

Olieverf: Milt Kobayashi: Verf wat jy wil sien

Olieverf: Milt Kobayashi: Verf wat jy wil sien

Milt Kobayashi verleen aan studente toestemming om volledige beheer oor hul skilderye te neem en nie verplig te voel om presies te skilder wat hulle sien nie. Tydens 'n onlangse werkswinkel het hy die deelnemers aangemoedig om 'n model se houding, kleur en kostuums te verander om by hul eie idees te pas.

deur Molly Siple

Sy lesse handel oor die leer om oop te wees vir moontlikhede en minder om die week af te sluit met 'n nuwe lys kunstenaars. Soos een student sê in die opsomming van Kobayashi se onderrigbenadering: 'Hy gee ons toestemming om onsself te vertrou.'

Kunstenaars wat onlangs aan een van Kobayashi se werkswinkels aan die Scottsdale Artists 'School deelgeneem het, het ontdek dat dit nie maklik is om skilderbesluite te neem wat op persoonlike smaak gebaseer is eerder as op waarneming nie. Om te doen wat u wil, is 'n geleerde proses. Die leer het plaasgevind gedurende elk van die vyf dae van die werkswinkel, met die oggende wat gewy is aan 'n drie uur lange demonstrasie deur Kobayashi, waartydens hy baie selde gepraat het. 'Ek leer op die manier wat ek van Sargent wil leer,' het hy verduidelik. 'Ek wil hê Sargent moet verf en nie net daaroor praat nie. Ek sou agterkom wat hy self doen! '

Kobayashi het 'n student gehelp
versterk haar figuurskildery.

Alhoewel Kobayashi kort oor woorde oor sy kunsfilosofie is, bied hy aan studente baie geleenthede om deur middel van observasie sy skilderkuns te benut.

Hy gee ook leidrade oor sy proses op die manier waarop hy vrae beantwoord. Gevra oor 'n spesifieke mengsel van kleure wat in 'n vorige werkswinkel die gunsteling was, antwoord hy: 'Ag, ek doen dit nie meer nie.' Toe 'n student hom wil vaspen op die manier waarop hy skaduwees oprig of hande skilder, het hy antwoorde gegee soos: "Dit bly verander," of "Ek doen dit normaalweg, maar nie vandag nie." Studente het verstaan ​​dat hulle in die hede moet bly, vertrou op wat hulle sien en artistieke beheer oor hul werk moet neem.

Kobayashi stel studente vry om op dieselfde manier te verken en uit te vind as wat kunsinstrukteurs in die 1960's abstrakte ekspressionisme onderrig het die skilderproses bo die onderwerp geplaas. Die eintlike onderwerp - die model wat 'n spesifieke uitrusting dra en in 'n sekere houding geposisioneer was - was slegs 'n beginpunt. Hoe die skildery ontwikkel het, was gebaseer op wat die kunstenaar op sy of haar doek gesien het. Oor die skildery van die figuur het hy gesê: 'Verf hoe jy dink dit moet lyk.'

Op die eerste dag van die werkswinkel het Kobayashi begin groet wat gevoel het soos 'n klein groepie aanbiddende aanhangers. (Die klas van 18 het die eerste 45 minute nadat die registrasie geopen is, ingevul.) Verskeie van die studente het sy werkswinkels al 'n dekade of langer bygewoon. Die gesoute vriendskappe wat Kobayashi met baie geword het, het gou duidelik geword toe die kamer gevul is met lag en gesels. Een student vra: "Gaan ons ons vertel van nuwe geheime kleure wat u gebruik?" Hy het dadelik teruggekom met, 'As ek dit sou geweet het, sou ek jou nie vertel nie.' Dit word met 'n sluwe glimlag gesê, aangesien Kobayashi enige formele hindernisse tussen onderwyser en leerlinge weggedoen het. Hy het homself en sy instruksies toeganklik gemaak, wat die deelnemers laat voel asof hulle van 'n baie ingeligte vriend leer.

Al die demonstrasies van Kobayashi het aan die einde van 'n lang, ruim ateljee plaasgevind. Die model neem haar plek in 'n gewone wit plastiekstoel op 'n lae platform. Om mee te begin, het Kobayashi 'n 11-x-14 lap bedek met 'n mengsel van donkergroen en okerpigment gemeng met 'n bietjie verfverdunner en lynolie. Hy het vinnige, vaste beroertes toegepas, dit vermeng en verskillende komposisies probeer deur 'n basiese kop-en-skouer-buitelyn te teken. Hy het studente gewaarsku om seker te maak dat die kop nie in lyn met die bolyf is nie, want dit sou 'te styf' wees, maar eerder om dit te kantel. Hy het ook probeer om verskeidenheid binne die houding te skep. 'Daar is in elke posisie 'n aktiewe en onaktiewe sy. Ek maak die een kant baie reguit en die ander krom vir kontrapunt. '

Vervolgens het hy die model geposisioneer om te pas by wat hy geteken het. Hy draai haar kop skuins en gebruik die potlood om haar blik te lei. 'Dit is hoe ek werk,' verduidelik hy. 'Ek begin met 'n idee hoe ek die skildery wil hê, en dan laat ek die model so sit.' In hierdie stadium van die eerste tekening het hy ook begin om die posisie van die hande vas te stel, met eenvoudige reghoeke aangedui. Hy het verskeie posisies uitprobeer, ietwat willekeurig in terme van die anatomie en die vorm van die model, maar belangrik in terme van ontwerp. Hy stap gereeld terug van die doek om die samestelling te beoordeel, en pas die posisie en hoek van die elemente aan, pas weer op die vloei totdat hy tevrede was.

Baie van die studente
(en hul troeteldiere) gehad het
vorige werkswinkels bygewoon
met Kobayahshi en was
vertroud met sy benadering.

Om die vorm van die kop te definieer, het Kobayashi 'n sirkel vir die boonste skedel getrek en daarna 'n soort driehoek met 'n plat punt bygevoeg - 'n snuitvorm vir die voorkant van die gesig. As die plasing nie korrek vertoon het nie, kon die kunstenaar hierdie kort opgemerkte vorms skuif. Hy het die gesig beplan deur die oë langs die boog aan te dui waar die sirkel in die driehoek ingedraai het. Die mond het aan die punt van die driehoek gegaan, en onder dit het hy 'n uitsteeksilinder getrek wat die ken gedefinieer het.

Kobayashi krediet George B. Bridgman, 'n bekende anatomie-instrukteur aan die Art Students League of New York, Manhattan, langer as 50 jaar vir hierdie benadering tot die teken van die figuur waarin die menslike vorm gereduseer word tot blokke wat in ander blokke vasgesit is. . "Sy metode was eenvoudig en maklik, en die blokke het die rigting van die verskillende elemente van die liggaam getoon," het hy verduidelik. 'Met hierdie benadering kan u die skelet regkry sonder om te veel te bekommer oor die spiere — wat werk vir my soort skilderye.' Kobayashi het aanbeveel dat studente kopieë van Bridgman se boeke koop vir verwysing: Bridgman se volledige gids vir tekening uit die lewe (Sterling Publications, New York, New York); Koppe, figure en gesigte (Dover Publications, Mineola, New York); Konstruktiewe anatomie (Dover Publications, Mineola, New York).

'Soms is die houding wat ek wil hê, moeilik,' het Kobayashi verduidelik. 'Ek dink dit kom van my vroeëre jare van tekenprentverhaal, en het figure in vreemde posisies geplaas.' Om hierdie probleem van 'n model 'n ongemaklike houding te oorkom, werk Kobayashi dikwels uit Polaroid-foto's van die model.

'Voordat ek te veel teken, wil ek die massas skilder, sodat ek kan sien waarheen die skildery gaan,' het Kobayashi verduidelik toe hy met die betoging voortgaan. Hy gebruik 'n nommer 4-filbert-kwas en sy standaardpaneel van die aarde kleure, insluitend 'n moederkleur soos swart of 'n voorvermengde warmgrys, maar geen kadmiums en selde wit. Hy verkies ook Mars-kleure, maar boonop gee hy nie studente 'n stel palet met spesifieke pigmente nie omdat sy gunstelinge aanhou verander. Met behulp van geel oker het hy die kop met strepe van verskillende breedte om die vorm te dra en met waardes vir die oë, neus, mond en ore gedemp. Hy stop 'n oomblik om die studente te verseker dat hulle met die plasing van funksies kan speel. 'Die skildery is regtig 'n leuen. Al wat u moet doen is om die kyker te oortuig dat die skildery reg is. ” Hy het toe op 'n wilde massa hare gegly. Terwyl hy geskilder het, het Kobayashi gesê: 'Ek probeer hare vinnig en los verf omdat die hare los is. Ek herinner myself aan die soort materiaal wat ek skilder, sodat die kwasstrepe dit uitdruk. '

Studentewerk
Kobayashi vermy enige
formele kritiek op die student
werk, want in die klas
daar is nie genoeg tyd nie
om skilderye na te bring
voltooiing, en hy voel
te oordeel, sou dit wees
voortydige. Maar oor
die jare het Kobayashi
een fout die meeste gesien
studente maak: hulle is bang
om duise te gebruik en te begin
hul skilderye met 'n
middelste toon wat maak
hulle werk lyk modderig.

Kobayashi kan ook die kleur van die hare verander. In hierdie demonstrasie het hy die hare met Mars swart geverf, want "dit droog regtig swart." Swart is 'n wesenlike deel van Kobayashi se palet in die tradisie van kunstenaars soos Degas, Manet en Velázquez. Oor die algemeen verkies hy ivoor swart eerder as koolswart, en as hy wil hê dat hare baie swart moet lyk, voeg hy 'n bietjie ultramarynblou by.

Volgende het hy die vleistone van die gesig en nek aangepak met behulp van modderige kleure wat deel uitmaak van sy handtekeningstyl. Hy begin dalk met Mars-violet of Marsgeel, of 'n warm monochroom deur Holbein. As daar 'n swart pigment in sy kwas agterbly, dan meng hy die hare in met die ander kleure, des te beter. “Vir my is daar iets verkeerd met vlesige, Band-Aid kleure en rou wange,” het Kobayashi gesê. 'Hulle gooi my van die baan af, en die skildery begin in 'n meer konvensionele rigting in plaas van 'n Kobayashi te wees. Ek voel vryer as ek ongewone kleure gebruik. ' Terwyl hy 'n student se vraag beantwoord oor die spesifieke pigmente wat vir die gesig gebruik word, het hy die plesier om onkonvensioneel te hê, onthul. 'Ek beplan om 'n grys, lelike velkleur te hê - baie dood lyk.'

Daarna het hy in die skaduwee van die oogkas geblokkeer, gevolg deur die kleur op die nok van die neus en die skaduwee onder die lip en aan die nek. Hy meng blou, verbrande sienna en 'n geelwit daarvoor. Hy hou ook tans van Holbein se Mars-oranje, want “dit is nie te bruin nie. Dit maak 'n ligblou op en maak 'n wonderlike skaduvertoon. ' Vervolgens vul hy die ontblote deel van die bors naby die neklyn in, maar met 'n ligter waarde, aangesien hierdie liggaamsdeel gewoonlik minder son kry as die gesig. Vir Kobayashi is waarde belangriker as kleur. 'Waarde grond u skildery. U kan dan enige kleur gebruik wat u wil hê. ”

Hy vestig weer sy aandag op die hande en laat die model verskillende posisies probeer. 'Ek is soos 'n regisseur. Ek neem baie tyd om die hande op te sit, sodat hulle nie vasgeklem is of 'n te meetkundige vorm het nie. Buig die pols 'n bietjie of dit sal te reguit wees en soos 'n stomp lyk. Dink aan hoe dansers hul hande hou in posisies wat beweging vorm gee. Ek wil hê dat hulle grasieus geplaas moet word. ” Hy neem Polaroid-foto's van die hande van die model en gebruik dit om in die basiese vliegtuie te lê. Alhoewel hy die hande groot maak, hou hy daarvan om die arms skraal te verf om meer aksies aan sy skilderye te gee en om die kyker se oog uit en in die prentjie te lei. Sy arms is buisagtig, behalwe as hy op 'n stoelrug rus, in die stoffering sink, of 'n geleentheid bied om 'n sagte rand en 'n interessante vorm te skep.

Kobayashi het voortgegaan deur die doek te bedek en alle waardes en vorms in te lê. 'Op hierdie punt wil ek weet hoe alles met mekaar verband hou,' het hy verduidelik. Daarna het hy die studente gevra om te besluit watter kleur die model se bloes sou maak. Hy het 'n koel kleur voorgestel, sodat die kleur van die gesig nie vaal lyk nie. Die studente het op laventel besluit, en Kobayashi meng 'n periwink van 'n kombinasie van violetgrys en roos. Daarna bedek hy die agtergrond met 'n warm beige met behulp van 'n nr. 8-kwas en 'n paletmes en sny die agtergrondverf in die hare. Hy het hierdie kleur lig gehou om die silhoeët van die figuur te behou. Die kunstenaar sê hy vermy blou vir die agtergrond omdat dit te veel soos die lug lyk.

Kobayashi se kwasstrepe was verseker en harmonieus gedurende hierdie aanleg. In verband hiermee het die kunstenaar 'n fassinerende fooi vir sy studente gehad: "Daar is 'n ritme vir die skildery wat strek van die palet tot die doek, en die grootte van die houers wat u gebruik om u oplosmiddel en pigmente te hou, kan dit beïnvloed," het hy aangeraai. 'Gebruik groot houers om groot houe te maak. Ek hou borsels in 'n koffieblik wat verf dunner hou en gebruik 'n tunablik met die deksel vir die lynolie verwyder. Groter houers laat my toe om die kwas vrylik rond te draai. Dit is 'n voortdurende vloei-ding. Ek gebruik nie die klein koppies wat hulle verkoop om olie te hou nie. Om 'n bietjie duik met 'n kwas in een daarvan te maak en dan 'n groot slag op die doek is 'n ander ritme. '

Na voltooiing van die aanleg het Kobayashi die eerste fase van sy skilderproses in minder as 'n uur voltooi. 'Fase twee behels die skoonmaak van die tekening,' verduidelik hy. Hy het nat-in-nat geskilder en weer op die gesig gewerk. 'Nou teken ek dit weer vir my.' Hy het die waardes verander, 'n paar violet Mars by die wange gevoeg en die projeksie van die neus beklemtoon.

Gedurende fase twee het Kobayashi baie naby die doek gestaan ​​vir 'ernstige skilderye'. Studente het die verkyker wat hulle gevra is om hul skildery voorrade saam te bring, van naderby bekyk. Hy het 'n bietjie lig by die donker kant van die gesig gevoeg, want soos hy verduidelik, "hierdie kant krul in die lig," en voeg 'n skaduwee aan die ligter kant toe om dit op te helder. Vervolgens fokus hy op die mond en sny die rand met die aangrensende vlees toon. Hy het die hande uitgelig. 'Ek dink aan die drie middelvingers van die hand as 'n wig met die pienk en duim meer soos aksent,' het hy gesê. 'Dit gee uitdrukking aan die hand.' Hy het dik, swart lyne tussen die vingers geverf om dit te definieer. Hy het ook 'n kleurverandering by die polsbeen opgemerk en een vlak met 'n diep roos geverf. Maar die hande was steeds plat en gestileer, wat herinner aan die grafiese hande van die Weense ekspressionis Gustav Klimt.

Op hierdie punt het Kobayashi dit oorweeg om 'n patroon by die figuur se bloes te voeg. Getrou aan die vryheid wat hy in die skilderkuns toelaat, het hy 'n ontwerp gemaak van dansende kleure of strepe. Teen hierdie tyd het die persoonlikheid van die figuur na vore gekom. Toe 'n student hom vra wie die vrouens in sy skilderye is en of hulle 'n boodskap het, antwoord Kobayashi feitelik: 'Ek glo' is dit wat dit is '. Dit is net soos ek skilder vroue. Ek kan dit nie verduidelik nie. '

Kobayashi het aan meer besonderhede gewerk toe hy na die derde fase oorgegaan het. Hy besluit waar hy die pupil van die oog moet plaas - 1 uur en hoog om die oog oop te maak - en om 'n bietjie tekstuur aan die leerling te gee, het hy aanbeveel om 'n viskose handgemaakte verf soos Doak of Harding te gebruik en die punt van die punt te doop. borsel in die pigment. Vervolgens pas hy die wimpers en wenkbroue op en voeg hy by die mond - die mees ekspressiewe deel van die gesig, want dit verander altyd. 'Op hierdie stadium kyk ek ook hoe een beroerte met 'n ander werk. Ek wil hê dat die oppervlak aantreklik moet lyk. ” Hy beskryf sy handtekening-kwasstrook as 'rounder' en verkies daarom modelle met 'n voller gesig.

Na 'n pouse vir middagete het deelnemers aan die werkswinkel teruggekeer na die ateljee om drie modelle in verskillende ruimtes van die kamer te ontdek. Hulle het die vroue begin skilder, en Kobayashi het in die kamer getoer met 'n goeie vorm, die grafiese vlak van 'n ontwerp of die hantering van kleur. Hy het verduidelik dat hy hard sal praat as hy die skildery van elke persoon kritiseer, sodat diegene wat soortgelyke probleme ondervind, voordeel kan trek uit sy terugvoer. 'N Student het probleme met die pienk van 'n satynrok wat een van die modelle dra, sodat Kobayashi vir haar 'n reproduksie van 'n Sargent-skildery wys waarin hy satyn hanteer het. Daarna het hy die student gehelp om die basiskleur te vind van die stof wat die klasmodel dra en geverf het, voordat hy skaduwee en kleur uitgelig het. Hy herinner hom ook aan die tyd toe hy 'n Sargent-figuurlike skildery in sy rekenaar skandeer en die paar donkerste gebiede en hoogtepunte digitaal uitvee om te ontdek dat die meester meestal op slegs twee waardes staatgemaak het om die vorm uit te beeld.

Vir 'n ander deelnemer het hy 'n Spaanse kam opgegrawe en in die hare van die model geplaas om die agtergrond aan te vul wat die student geverf het. Toe die middag aanbreek, was almal besig met hul werk. Skilderye het skielik lekker gevoel toe Kobayashi die studente van die modelstudie bevry het en hulle aangemoedig het om hul eie oorspronklike skilderye te maak.

Kobayashi het gedurende die loop van die werkswinkel 'n warm verhouding met sy studente opgebou. Op die laaste dag het iemand 'n skoenlapper en ys saamgebring om te deel, en Kobayashi gee die studente drukkies voordat hulle verder gaan.

Oor die kunstenaar
Milt Kobayashi is gebore in New York, 'n derde generasie Japannese Amerikaner, maar hy het sy vroeë kinderjare in Oahu, Hawaii en daarna Los Angeles deurgebring. Hy verdien 'n B.A. aan die Universiteit van Kalifornië, Los Angeles, in 1970, en spoedig as illustreerder begin werk. Sy styl pas egter nie by die kommersiële kunsmark in Los Angeles nie, en hy keer in 1977 terug na New York. Hier, tydens 'n besoek aan die Metropolitan Museum of Art, in New York, is hy so getref deur 'n skildery deur Velázquez, die portret Juan de Pareja, dat sy loopbaan 'n groot verskuiwing in die rigting van beeldende kuns geneem het. Kobayashi het die werk van Whistler, Chase en Sargent begin bestudeer - alle kunstenaars is ook deur Velázquez beïnvloed. Daarna het die Japannese kuns 'n inspirasie vir Kobayashi geword, veral die 16de en 17de-eeuse Japanese Ukiyo-e-houtblokkie-meesters, soos Hokusai, Sharaku en Utamaro. Kobayashi het twee groot toekennings ontvang: die National Academy of Design Ranger Purchase Award en die Allied Arts Silver medalje.

Molly Siple skryf gereeld oor kuns uit haar tuisdorp Los Angeles en is kunstenaar-lid van die California Art Club. Kyk na haar ander artikel in hierdie uitgawe oor Kenn Backhaus.


Kyk die video: Painting Demo - Distant (Augustus 2021).