Tekening

Olieverf: Plein-Air Painters of America Members: van die terrein na die ateljee

Olieverf: Plein-Air Painters of America Members: van die terrein na die ateljee

'N Huidige uitstalling in Stockton, Kalifornië, wys hoe lede van die Plein-Air Painters of America (PAPA) hul studies ter plaatse interpreteer om groter ateljeeskilderye te maak. Dit is wat hulle te sê gehad het.

deur Bob Bahr

Bestudeer vir Kanada se koepel-gletser
deur Linda Tippetts, 2006, olie, 12 x 16.
Alle kunswerke in hierdie artikel
versamel die kunstenaar, tensy
anders aangedui.
Kanada se koepel-gletser
deur Linda Tippetts, 2006,
olie, 18 x 24.

Linda Tippetts
Montana-kunstenaar Linda Tippetts het die ateljee-weergawe van hierdie komposisie geskilder kort nadat sy die studie gedoen het. “Dit is anders vir elke individu, maar as ek die opwinding en passie verloor het toe ek daardie toneel op lokasie gekies het, en ek dit nie weer kan inhaal nie, doen ek die ateljee nie,” sê die kunstenaar. . 'Dit moet redelik onmiddellik wees; ek moet die kontinuïteit van die veld na die ateljee hou, sonder om my fokus tussenin te breek.'

Alhoewel sy bieg dat sy haar studies effens verkies, sê Tippetts dat sy om verskillende redes gemotiveerd is om studioweergawes van buitelugtonele te maak, insluitend die feit dat sy soms daglig uitloop terwyl sy 'n plein air skilder, en 'n ateljee-weergawe laat haar toe om in te sluit Meer besonderhede. Sy kan ook die ontwerp verander, soos die kunstenaar gedoen het toe sy die vorm van die gletser in die ateljee-weergawe vergroot en verander het. Tippetts het ook die lig in die ateljee-skildery sigbaar verander; sy was geïnteresseerd in die komposisie en ontwerp terwyl sy op die plek geskilder het, maar ontdek die lig was beter die volgende dag. Sy het die toneel met 'n videokamera verfilm - sy voel dat video beter werk om ligte effekte op te neem - en die beeldmateriaal saam met die studie gebruik om haar groter ateljee-stuk te skep. Sy werk op doekplank in die veld en strek linne in die ateljee. Sy gebruik dieselfde volledige palet vir albei take.

Tippetts het die Kanadese Rockies gedeeltelik geskilder omdat sy die Amerikaanse Rockies so lief het. 'Omdat ek naby die Rockies in Montana woon, wou ek die Kanadese Rockies ontdek om hul persoonlikheid te ontdek,' sê sy. 'Ek is gebore en getoë in die berge, en hulle is baie lief vir my. Maar as u te lank na dieselfde toneel kyk, sien u nie 'n vars uitsig nie. Die siening van die Kanadese Rockies het my 'n nuwe perspektief op die Rocky Mountain-ketting gegee. '

Joseph Mendez
Joseph Mendez gebruik verwysingsfoto's om hom te help om sekere besonderhede vir sy ateljee-skilderye te kry, maar in die algemeen beskou hy dit as 'n 'groot leuen' en kyk na sy studie na kleurnotas. 'Foto's gee jou nie akkurate kleure nie,' sê hy. 'Die foto is koud.' Soos Tippetts, voel Mendez dat dit belangrik is om die ateljee-weergawe so gou as moontlik na die voltooiing van die studie te verf, terwyl hy die ervaring nog baie goed onthou. 'Ek doen dit binne 'n paar dae,' sê hy. 'Ek moet dit doen, anders verdwyn die beeld.'

Mendez verf op doekbord of Masonite op die terrein en uitgerekte doek of doekbord in die ateljee, en gebruik dieselfde beperkte palet vir albei. Bo alles probeer hy die gevoel van die plek vasvang. 'Ek gee nie om of ek 'n rots groter of kleiner maak nie; ek sal alles doen wat ek wil,' sê hy. 'Maar die gevoel van die plek is vir my baie belangrik, die gevoel van die spesifieke dag.' Die samestelling sal waarskynlik van die studie na die ateljee-weergawe verander, en Mendez verwag dit. 'Die verskil in grootte tussen die studie en die ateljeeskildering dwing my om 'n ander komposisie te hê,' wys hy op.

Die kunstenaar in Kalifornië gebruik ook 'n ongewone stap om die ervaring te beklemtoon eerder as die spesifieke voorwerpe wat hy besigtig: hy werk onderstebo op die ateljee. 'Op die manier gebruik ek nie my brein en dink aan wat die toneel is nie - dit verhinder my om dinge te dink en te regverdig,' sê Mendez. 'Ek verf net die kleure wat ek sien en onthou.'

John Budicin
Toe hy gevra word wat die moeilikste aspek is van die skildery van 'n ateljee-weergawe van 'n skets ter plaatse, stem John Budicin saam met verskeie kunstenaars op die lug: "Om die varsheid wat daar was te probeer behou, is dit die grootste uitdaging," erken hy. Hierdie Kaliforniese kunstenaar en huidige president van PAPA spreek die probleem nie noodwendig aan deur die ateljee-weergawe so gou as moontlik te probeer verf nadat die studie ter plaatse voltooi is nie. 'Vir my beteken dit dat ek 'n bietjie op die ateljee-weergawe werk, sodat ek nie 'n sekere gebied oorwerk nie,' verduidelik hy. 'Ek sal net wegstap of aan 'n raamwerk werk - ek hou daarvan om my eie te maak en die goue blaar aan te wend - en dan weer terug na die skildery.

“As u 'n gebied sien wat nie werk nie, is dit 'n waarskuwingsteken,” bied Budicin. 'As jy 'n boom sien wat nie heeltemal pas nie, al het jy dit al 'n paar keer geverf, het jy jou varsheid verloor.' Hy waarsku ook dat die groter skildery 'n eie lewe moet hê. “U kan nooit die kopie van die kleintjie dupliseer nie,” sê Budicin. 'Die studie het een taal en die groter stuk moet vanself praat. Ek skilder net op die oomblik toe ek die studie doen. ”

Die deel van Toskane wat Budicin in hierdie skilderkuns uitgebeeld het, is een van sy gunsteling gebiede om te besoek. Die grootste verandering wat hy van die studie na die ateljee-weergawe gemaak het, is in die behandeling van die agtergrond. 'Ek het meer besonderhede bygevoeg en dit laat terugtrek,' sê die kunstenaar. 'Ek het dit meer geïnteresseerd gemaak en dit ontwerp sodat dit die kyker se oog rondom die skildery terugneem — ek het probeer om meer van 'n sirkelvormige patroon te kry om die oog op die skildery te hou.'

Die Sleepwa
deur Brian Stewart, 2006,
olie, 18 x 40.
Studeer vir
Die Sleepwa

deur Brian Stewart, 2006,
olie, 6 x 8.
Studeer vir
Die Sleepwa

deur Brian Stewart, 2006,
olie, 6 x 8.
Studeer vir
Die Sleepwa

deur Brian Stewart, 2006,
olie, 6 x 8.

Brian Stewart
Die skilder van Minnesota, Ste Stewart, gebruik sy studies na 'n vorige meesters soos die Hudson River School-skilders, wat van verskeie studies gewerk het om groter ateljeewerk te produseer. 'Die moeilike deel is om dit alles te integreer en dit geloofwaardig te laat lyk,' sê hy. 'Om dieselfde gevoel, ligbron, hoek, afstand, perspektief te kry - dit is die probleem, veral as u met mensgemaakte voorwerpe te doen het. Dit is dinge waarmee die menslike oog geneig is om te identifiseer en 'n bietjie vertroud te wees met, so u moet baie tegnies wees in u tekening. As ek 'n landskap van berge en bome en rotse doen, kan dit 'n tekenfout wees, en niemand sal dit optel nie. Maar as ek 'n mensgemaakte voorwerp verf, moet ek dit regkry, want mense sal dit optel, of hulle nou opgelei is of nie opgelei is nie. '

Stewart het hierdie saamgestelde beeld van retro-motorsleepwaens aangepak deur ongeveer twee uur lank verskillende studies op 6-x-8 katoenen doekpanele te verf. 'Die eerste studie, die sleepwa-park in Bisbee, Arizona, het die algehele tonaliteit bepaal,' sê hy. 'Ek het probeer om alles samehangend te maak.' Hy het die motor afsonderlik geverf en die kleurtemperatuur van die studeerkamer aangepas toe hy die ateljee-stuk geskilder het. Die mense in die komposisie is geskilder van foto's wat hy later binnenshuis, in kostuum, in die winter opgevoer het. Die sleepwa wat die fokus op die ateljee is, is in 'n ander sleepwa-park geverf.

'Kleur, waardes en die algemene gevoel van lig is wat ek in studies probeer vaslê,' sê die kunstenaar. 'Ek konsentreer nie soveel op tekening nie; ek probeer die tekening akkuraat kry, maar ek kan op verwysingsfoto's vertrou op die groter stuk as ek dit nodig het. Ek probeer nog steeds kuns skep - ek probeer nie 'n dokumentasie doen nie. ' In plaas daarvan probeer hy 'n gevoel van nostalgie oproep en voel vry om vryhede te neem met besonderhede in die naamborde, geboue en soortgelyke elemente in die periferie van die skildery.

Hy begin met verf met baie min lyne. "Ek teken altyd terwyl ek die skildery voltooi," sê Stewart. 'Ek voltooi die tekening terwyl ek verf. As ek aan die begin te kosbaar is vir 'n tekening, kan ek daarmee trou en bang wees om daarvan af te wyk. ' Vervolgens skep Stewart gewoonlik 'n tussentekening, 'n houtskoolprentjie op Ingres-papier met witkryt, om enige probleme met die tekening uit te werk. Dan voeg hy 'n rooster by oor die tekening en op die doek sodat hy die inligting akkuraat kan oordra.

'Ek kan gewoonlik nie die groter ateljee-skilderye onmiddellik doen nie, maar hoe gouer ek klaar is, hoe suksesvoller is dit,' sê hy. 'Die gevoel bly aanvanklik by my, maar dit lyk of dit mettertyd verdwyn. En met 'n skildery is dit belangriker hoe dit voel as hoe dit werk. ' vir Die Sleepwa, Stewart het eers die sleepwa-park geverf wat dien as die instelling, en 'n week later, die primêre sleepwa. Vyf maande later vind hy die motor om dit te trek. Ses maande later kon hy die ateljeeskildery begin, wat hom een ​​en 'n half week geneem het om uit te voer.

Gil Dellinger
'In die ateljee-weergawe het ek die dinamiese lig effens laat neerslag om die skildery meer eenheid te gee,' sê Gil Dellinger oor hierdie paar akrielstukke. 'Daar was 'n uitbarsting wat op 'n klein skaal baie bekoorlik was, maar op 'n groot skildery sou dit te vaag en soort van inharmonies gewees het. Ek het die kleure effens verander, en die vorm van die pad verander; ek het dit in die ateljee-skildery probeer en besluit dat ek daarvan hou, dus het ek die nuwe idee gevolg, laat dit morf. '

Dellinger sê as hy op die plek is, hy amper van die ontwerp vergeet, omdat hy so graag die gevoel van die plek wil vaslê. 'Ek werk deur die atmosfeer van 'n plek te voel,' sê hy. 'Selfs 'n reuk - ek kan plantmateriaal uit die omgewing in die ateljee inbring. Dit is deel van die ervaring. 'N Reuk is iets wat sommige breinfunksies omseil en jou terugneem na 'n geheue. Jy kan iets ruik en 20 jaar gelede terug wees.

"Gewoonlik moet ek 'n gebied skilder net nadat ek dit ervaar het," sê Dellinger. '' N Jaar later is ek te emosioneel los van die aanvanklike ervaring. Dit is baie moeilik om dit te onthou. ”

Scott Burdick
Die verskil tussen Scott Burdick se studie vir 'n skildery van Yosemite in Januarie en die ateljee-skildery wat deur dieselfde toneel geïnspireer is, is waarskynlik die dramatiesste van die pare wat in die PAPA-show vertoon is. Die formaat is nie net van horisontaal na vertikaal verander nie, maar 'n skildery wat op die geel heuwels op die agtergrond gefokus lyk, het in 'n stuk gemuteer wat die speel van die geel lig op die stroom beklemtoon en die koel, sneeukleurige rotse.

'Selfs terwyl ek die studie verf, het ek dit oorweeg om dit vertikaal te doen,' verduidelik hy. 'Ek raak opgewonde oor die toneel wat ek gaan skilder, en wil net dadelik aan die gang kom. Maar ek kyk altyd rond en sien ander dinge wat wonderlik is om te verf. En dinge verander mettertyd. In hierdie geval het die lig nie eers van die water af gereflekteer nie, net nadat ek begin het. Toe begin die geel in die heuwels weerkaats en ek word gesweef, en ek het 'n paar foto's geneem - ek het geweet ek wil vertikaal doen. Dit gebeur gereeld — jy kom aan die gang en dan sien jy skielik ander moontlikhede, beter moontlikhede. Maar as ek nie die studie gedoen het nie, sou ek nie lank genoeg daar gebly het om daardie verandering in die lig te sien nie. '

Burdick bestee ongeveer drie uur aan die skilderkuns van sy studies, en hy beskou dit as 'n belangrike rekord van die kleure in die toneel, en miskien net so belangrik, drie uur van noukeurige waarneming van die onderwerp. Hy neem ook verwysingsfoto's en 'bracket' hulle om die besonderhede in die baie ligte en baie donker gebiede vas te lê. Die kunstenaar in Noord-Carolina vind ateljeeskilderye bevredigend omdat dit hom toelaat om 'n nuwe benadering tot die onderwerp te ondersoek en 'n blaaskans te neem as hy nie tuis is nie. Maar om buite te skilder, is duidelik 'n hoogtepunt vir Burdick.

"Verf en plein air is die prettige deel van 'n kunstenaar wees," sê Burdick. 'Gaan uit en verken, leer oor die ligging - jy sien hoe die son verander, hoe die lig op 'n spesifieke plek verskil. Alhoewel hierdie skilderye nie die kunstenaars is wat deur versamelaars uitgestuur en gekoop word nie, is die studies die pret. Maar jy bedrieg jouself as al wat jy doen, studies is. Die groot kunstenaars het almal studies gedoen, maar hulle is bekend vir hul ongelooflike groot meesterwerke wat in die ateljee gedoen is, wat slegs moontlik was as gevolg van hul studies. ”

Ken Auster
'N Ken Auster-ateljee-skildery sal waarskynlik 600 persent groter wees as wat dit bestudeer het, so sy doelstellings is 'n bietjie anders as sommige plein-lugskilders. 'Die studie is net om my gedagtes te organiseer en so vinnig as moontlik iets neer te lê,' sê die kunstenaar in Kalifornië. 'Ek wil kyk of dit in 'n groter formaat sal werk.'

Hy gebruik 'n groot kwas in sy 12-x-16-studies "so dit neem minder tyd om die skildery te doen." Auster sê hy hou nie daarvan om mense se manier te wees as hy in die stad skilder nie; kry hy 'n studie binne 90 minute, laat hy die basiese beginsels gereeld in die eerste 30 minute afneem, en beweeg dan na 'n minder opdringerige plek om die studie verder te ontwikkel. Hy sal later in die ateljee 'n paar klein besonderhede by die studie voeg, met verwysingsfoto's. Dan sal hy beoordeel.

'Ek sal 'n klomp kleiner skilderye doen en lank daarna kyk, en uiteindelik 'n besluit neem oor watter een 'n goeie groot skildery gaan maak,' verduidelik hy. 'U moet bepaal of die skildery in 'n groot formaat sal werk. Hoe sterker die onderwerp of fokuspunt in 'n klein skildery is, hoe suksesvoller gaan die groter skildery wees. U kan amper alles in 'n 6-x-8-formaat doen, en dit sal werk - omdat u nie al die inligting in 'n klein skildery wil invoeg nie. U word gedwing om die reëls van goeie ontwerp na te kom en weerstaan ​​om dit met 'n hoop rommel op te vul. 'N Goeie skildery hang af van wat u uitlaat.'

Die volgende stap vir Auster is om die groot skildery in sy ateljee in te sluit. Hy sê hierdie fase, waarin die ontwerp opgestel is, moet in een sessie gedoen word - hy voltooi gewoonlik die een fondament op een middag, trek handskoene aan en smeer die verf met sy hande. 'Dit is 'n vinnige proses; jy moet werk terwyl dit nat is, ”sê hy. 'En dit is liggaamlike oefening; jy moet vinnig baie verf neerlê. ” Auster meen dat as hierdie basis korrek is, dit vir hom amper onmoontlik is om die skildery later tydens verfynings te ruïneer. Slegs baie werk en 'n groot kwas kon die komposisie en ontwerp saboteer.

Die kunstenaar spandeer dan 'n paar weke stukke aan die ontwikkeling van klein dele van die skildery en om die fokuspunt te vestig. Hy vermy te veel detail. "Niks sal 'n groot skildery meer skade berokken as te veel inligting nie," beweer Auster. 'U benodig 'n vierkante voet met baie interessante inligting, en die res moet abstrak wees. U kan nie voel dat u meer dinge daarin moet plaas net omdat daar meer ruimte is nie. U moet die gedagte in toom hou en die fokuspunt hou.

'Op kleiner stukke kan jy ontsnap met dinge soos 'n groot stuk rooi, maar in 'n groot skildery sou dit so oorheersend wees dat jy nie kon ophou om daarna te kyk nie,' verduidelik hy. 'U kan in 'n groter stuk baie subtieler inligting kry as 'n kleiner, maar u sal nie meer besonderhede kry nie.'

Auster voeg aansienlik meer diepte in sy groter skilderye toe, en sorg dat hy sy kleure 'n bietjie subtieler maak. "In 'n studie kan ek die landskap in drie lae verdeel - voorgrond, middelgrond en agtergrond - en daar sal groot waardeveranderings tussen hulle wees," sê hy. 'In 'n ateljee kan ek ses of sewe lae daarin plaas; ek kan die koevert druk, terwyl ek die volle waardes behou.'

Jim Morgan
Jim Morgan se studie van 'n esdoorn in die laat herfs is in die ateljee gedoen, net soos die meeste van sy studies. Hy maak baie rowwe, eenvoudige sketse ter plaatse, werk dan 'n klein studeerkamer tuis voordat hy in 'n groter, meer voltooide stuk begin. "Hierdie studie is gebaseer op 'n paar hen-kras sketse ter plaatse," sê die kunstenaar in Utah. 'Dit doen ek om te sien hoe die komposisie sal uitwerk voordat ek die groter een doen. Daardie aanvanklike duimnaels gee my die kern van die onderwerp en die beweging van die lyn. ” Morgan gebruik ook verwysingsfoto's, maar hy verwys slegs vlugtig na hulle en verkies om op geheue en intuïsie te vertrou.
Die klein junco in die ateljee-skildery was van die begin af beplan, maar Morgan het die voël uit die studie gelaat omdat hy eers wou sorg dat die komposisie sterk genoeg daarsonder sou wees.

Oor PAPA
Die Plein-Air Painters of American (PAPA) is gestig deur Denise Burns op Catalina-eiland, aan die kus van Kalifornië, in 1986. Die idee was om 20 kunstenaars met die hand te pluk, hulle 'n week lank op die eiland te laat verf en dan hul werk Saterdagaand en Sondagoggend in 'n uitstalling te wys. . Hierdie formaat was baie suksesvol, en vir die volgende 18 jaar het die groep op Catalina geskilder en uitgestal, gevolg deur twee jaar in die Lake Tahoe-omgewing. Die organisasie beperk nog steeds sy lidmaatskap, en die doel bly dieselfde, 'om 'n plek en tyd te dokumenteer en aandag te gee aan landmerke groot en klein', volgens PAPA se webwerf. Jaarlikse werkswinkels het ook onlangs deel geword van hul aktiwiteite.

Die groep se 21ste jaarlikse uitstalling en verkoping, getiteld “From the Heart: Plein-Air Painters of America”, word op 21 Oktober in The Haggin Museum, Stockton, Kalifornië, geopen. Meer as 120 kunswerke met 34 handtekening, emeritus en erelede, sowel as ses gaskunstenaars is te sien vanaf 6 Januarie 2008. Die skilderye wat die afgelope jaar gedoen is, bevat plein lugwerk, sowel as ateljeeskilderye wat uit veldstudies gemaak is. Van die openingsgeleenthede is 'n skilderdemonstrasie (gratis toegang) op die oggend van Saterdag 20 Oktober by Jessie's Grove Winery, in Lodi, Kalifornië. 'N Uitstallingskatalogus is deur die museum beskikbaar.

Besoek www.p-a-p-a.com vir meer inligting oor PAPA.


Kyk die video: Artful Painter Podcast: Kathie Odom - Nostalgic Impressionism AUDIO-ONLY (September 2021).