Tekening

Basiese tekeninge vir lang posisies: hoe om dit energiek en lewendig te hou

Basiese tekeninge vir lang posisies: hoe om dit energiek en lewendig te hou

'N Meer voltooide tekening is moontlik as 'n model vir 'n lang tyd poseer, maar hierdie luukse het besondere uitdagings. As u die moontlike slaggate identifiseer en voorberei, sal u figuurtekening verbeter.

Teken in vir meer funksies soos hierdie tekening vandag!

deur Dan Gheno

Akademiese tekening van 'n staande vroulike voorkant
deur Taylor, houtskool, 24 x 18½. Versameling The Art Students League of New York, New York, New York.

Alhoewel dit 'n baie voltooide académie is, lê hierdie beeld steeds baie klem op die onderliggende gebaar van die model. Let op hoe die kunstenaar sy begrip van die gebaar in die losgemaakte bolyf aan die linkerkant van die tekening getoets en ontwikkel het.

Leunende figuur (Claudia)
deur Dan Gheno, 2007, grafiet, 24 x 18. Versamel die kunstenaar.

Fof sommige kunstenaars wat daarvan hou om die figuur uit die lewe te trek, kan 'n een-uur-houding soos 'n ewigheid lyk, terwyl 'n houding van vier weke soos ander vir 'n oogwink voel. Dit maak nie saak hoe u 'n "lang pose" definieer nie, dit neem slegs 'n paar sekondes om 'n belowende of byna voltooide tekening te vernietig. Dit is soos 'n skop in jou ingewande as jy besef jy het verder gegaan as die punt van terugkeer, waar die koerant uitmekaar val en dat geen uitvee, ekstra weergawes of bygevoegde reëls dit kan red nie.

So, hoe kan u uself red van hierdie verskriklike bestemming? In hierdie artikel gee ek 'n uiteensetting van die vele slaggate waarvoor u waarskynlik te kampe sal kry as u 'n uur of langer aan 'n tekening werk. Nog belangriker, ek sal 'n paar van die vele strategieë beskryf wat u kan gebruik om hierdie landmyne te vermy en u tekeninge vars en lewendig te hou. Al die taktieke op hierdie lys is ewe noodsaaklik en word in 'n spesifieke volgorde van belang aangebied. U moet probeer om dit gelyktydig in gedagte te hou as u 'n lang houding teken, behalwe vir die transendente, allerbelangrike eerste punt wat u moet oorweeg nog voordat u begin met die teken: Definieer u doelwitte!

Doelwitte

Skets u 'n verkennende studie vir 'n skildery, teken 'n akademiese studie of vervaardig u komposisie as kunsvoorwerp? Die Renaissance en Barok Old Masters het byvoorbeeld baie gepoleerde figuurtekeninge gemaak as studies vir hul skilderye. Dit kan lyk asof hulle baie lank gewerk het, maar meestal het hulle redelik vinnig gewerk en probeer om die anatomie en die verhoudings wat hulle op hul voltooide doeke kon vind, reg te stel en reg te maak; hulle huiwer nie. Hierdie kunstenaars het 'n vaste doel voor oë, en hulle stop toe hulle hul doelstelling bereik het, en skep kragtige, lewensgevulde tekeninge wat terloops as onafhanklike, voltooide kuns slaag.

Aan die ander kant wil u tyd neem wanneer u 'n akademiese studie (of Académie), stadig opbou tot die finale produk. Deur kortpaaie te neem, verminder die opvoedkundige waarde van hierdie oefeninge, wat, indien dit tradisioneel gedoen word, gemiddeld vyf aaneenlopende dae kan duur. Probeer om duidelik te wees oor u voornemens wanneer u 'n académie doen. Probeer u iets leer oor waardes en verhoudings? As dit die geval is, moet u u tyd spandeer om elke korrel papier te vere en in te vul? Of is dit u huidige vaardigheidsvlak beter om u tyd te gebruik om 'n nuwe tekening te begin om u vermoëns van visuele waarneming te bevorder?

Study of a Galley Slave
deur Annibale Carracci, ca. 1585, rooi kryt, 10¼ x 10 ?.

Die Carracci-kunstenaarsfamilie was 'n magtige krag in die wêreld van figuurtekening. Toe die Renaissance vervaag in wat hulle beskou het as die ongedissiplineerde oorskryding van die Manneristiese tyd, het hulle bang geword dat hul nuwe generasie vergeet het hoe om die menslike vorm te teken. Hulle het die eerste 'akademie' opgerig wat gewy is aan die bestudering en teken van die figuur uit die lewe, in 'n poging om hierdie herleefde, artistieke kennis oor te dra aan mede-kunstenaars uit die 'gereformeerde' barokke era.

Portret van Marie-Gabrielle Capet, halfleng, hou 'n glas en leun op 'n tafel
deur François-André Vincent, 1790, swart en wit
kryt met snert rooi kryt, 18? x 17¼. Versameling The Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois.

Die houding van hierdie model is groot. Baie vroeë kunstenaars het vlegsels gebruik om die model te help om sulke moeilike posisies te behou, of om die houding in dele te trek en die liggaamsegmente geleidelik in 'n voltooide geheel saam te stel.

Dan is daar die tipe langtermyntekening wat slegs gedoen word ter wille van kuns. Soms is dit doelbewus en bestudeer, soms is dit impulsief en ekspressief. Dikwels is dit realisties, en soms is dit nie objektief nie, maar dit is byna altyd geskep met vurige passie. Kunstenaars soos Alberto Giacometti en Rico Lebrun het hul beelde dikwels herhaaldelik verwerk, met lyne en waardevorme aangebring. Hulle kan die beeld soms laat verskyn, verdwyn en dan mettertyd weer verskyn totdat hulle gemaklik voel met die resultate. Daar is baie redes om 'n lang tyd aan 'n tekening te spandeer. As u u tekening met geweld en oortuiging wil gebruik, kies 'n rede en hou daarby.

gebaar

Dit maak nie saak wat u doelwitte is nie, dit is noodsaaklik om u tekening te begin met 'n deeglike begrip van die onderliggende gebaar van die figuur. Dit is ewe belangrik om daardie gesture voorkoms te behou as u dieper in die tekening gaan, waardes en ingewikkelde besonderhede weergee. Let op hoe Seurat sy académie op 'n ontspanne, improviserende manier begin, en los die silhoeët van die figuur vas Studie vir Man Standing, Palms Out. Hy het 'n paar geringe aanpassings aan die gebaar gemaak toe hy die voltooide tekening gemaak het, maar hy hou vas aan die groot ritmes wat deur die figuur loop, terwyl hy die manier waarop die individuele liggaamsdele geneig is om in opposisie met mekaar te skuif, vasgevang het. Onthou egter dat u van 'n lewende, asemhalende mens werk. Terwyl modelle band, skuif hulle soms hul gewig onbewustelik van een been na die ander in 'n staande houding, wat die onderliggende gebaar verander.

Meting

Baie kunstenaars ervaar baie moeite om die hele figuur op hul koerante of doeke te laat pas. Daar is geen reël wat sê dat u die hele figuur moet teken nie, maar dit is 'n vreesaanjaende saak vir die kunstenaars wat 'n académie teken of probeer om verskillende figure binne 'n ingewikkelde perspektiewe uitleg te pas. In beide gevalle vind ek dit baie handig om die bo-, middel- en onderkant van die figuur op my papier te merk. As u die middelpunt van die figuur vind, kan 'n mens van bo na onder heen en weer teken en terugwerk na die middel daarvan. Baie kunstenaars verkort hul figure onbewustelik terwyl hulle gevaarlik naby aan die onderkant van die papier beweeg. As u nie tyd het om die tekening weer te begin nie en u geen ander keuse het nie, is dit beter om die voete van die bladsy af te laat loop, met al die ander liggaamsdele korrek in verhouding, dan om u model in 'n moderne weergawe te verander. van die kortbeen Toulouse-Lautrec. Ek probeer my derm in hierdie vroeë stadium soveel moontlik vertrou. Eers as ek tevrede is met die algemene plasing en werking van die figuur, begin ek die individuele vorms en besonderhede nul, en eers dan begin ek die verhoudings van die model opties meet. Dikwels gebruik ek die kopgrootte as my meeteenheid vir die res van die figuur. Dit is 'n goeie idee om elkeen van u metings ten minste twee keer te herhaal om die akkuraatheid te bevestig. Kontroleer dan u kopafmetings deur groot anatomiese eenhede soos bene teen arms, die bolyf teen beneenhede en die totale lengte van die figuur met sy breedte te vergelyk.

In 'n sittende houding kan 'n model met 'n perfekte liggaamshouding begin, en dan 'n paar minute later vorentoe gly. U het verskillende opsies: as u alleen werk, vra die model om die houding aan te pas en / of meer pouses te neem as dit moeilik is. Ongelukkig is dit meer problematies as u 'n groepsituasie ervaar. As u in die ateljee rondkyk, sal u dalk sien dat u mede-kunstenaars die model in verskillende toestande van moegheid geteken het. Die beste oplossing is om te wag totdat die model ná 'n onderbreking van vyf minute hervat is. Verfris, sal die model waarskynlik terugkeer na die oorspronklike gebaar. U kan ook u tekeninge aanpas om die houding te weerspieël as die model moeg word. Maar hou daarby! Wat u ook al doen, moet u nooit u tekening heen en weer verander nie en probeer om die verskuiwende bewegings van die model na te jaag.

Maak altyd seker dat u die middelste punt van die figuur vind - waar dit ook al is (gewoonlik naby die kruis op die staande figuur). En moenie vergeet om dit liggies op u papier te merk nie. Op die manier, as die boonste deel van u figuur groter word namate u konsentreer op die besonderhede daar, sal u u fout begryp voordat u nie meer papier het nie.

Studeer vir 'n man wat staan ​​en uitsprei
deur Georges Seurat, 1877, 23½ x 15. Privaatversameling.

Let op die eenvoudige, delikate manier waarop Seurat die gebaar van sy figuur opstel. Aan die begin is dit amper 'n leë silhoeët.

Twee studies van 'n naakte vrou wat op die gesig staar, wat reg is
deur Jean-Auguste-Dominique Ingres, ca. 1813, grafiet, 10 x 10½. Versamel die Louvre, Parys, Frankryk.

Sommige kunstenaars kyk doelbewus na en bring verdraaiings in hul getekende figure. In 'n poging om 'n 'idealisering' op te wek wat hy klassiek beskou het, het Ingres gereeld werwels bygevoeg en die gewrigte van sy menslike onderdane versag om 'n elegante verlenging of gladheid uit hul vorm te gee.

Sommige kunstenaars gebruik 'n baie streng benadering en meet alles op streng noukeurige vertikale en horisontale loodlyne. Dit kan foutloos werk as u uit 'n stillewe, gipsuitgawes of foto's teken. Soos ons vroeër opgemerk het oor die model se gebaar, kan dit baie verwarring skep as dit op 'n mens toegepas word, veral deur 'n beginner. Aan die begin van die houding, of dit nou sit of staan, kan die model in 'n baie regop houding begin, met die lengte van die figuur wat 'n sekere aantal koppe meet. Aan die einde van die pose-sessie sal die gebiede tussen die nek en die sleutelbeen en die ruimte tussen die ribbekas en die bekken baie saamgepers het, en miskien soveel as een of meer koppe van die totale lengte van die figuur aftrek.

U moet waaksaam wees daarteen as u koppe tel. Teken nie alles aan die einde van 'n houding aan nie, as u aanvaar dat u aanvanklike metings af is. Ek probeer die natuurlike insinking wat in die bolyf voorkom, in ag neem, terwyl die model in die houding sink, en die kop teen vaste benige dele meet, soos die sternum, die bekken of die stywe lang bene van die ledemate. Ek meet op die lang as van elke anatomiese vorm, in samewerking met of in plaas van die gebruiklike vertikale en horisontale metode, en ek vermy die buigbaarder, opvoubare dele van die liggaam, en vertrou op my ingewande vir die plaaslike verhoudings. Gewoonlik, as u die stywe dele van die liggaam korrek skat, sal u dit moeilik vind om te verkeerd te gaan op die meer plofbare gebiede.
Gordyne en meubels kan die oorsaak van baie probleme en tekeninge wees. As u 'n sitposisie teken, sal u sien dat die stoel dikwels teen die bobeen van die model opruk en skynbaar die lengte van sy of haar bolyf verkort. Probeer om nie die lengte van die bolyf in u tekening onbewustelik te verleng om te kompenseer vir hierdie effek nie. Die getrekte bolyf sal egter te kort na die kyker lyk as u nie ten minste 'n bietjie voorstel oor die stoelkussing of die gordynlaag wat op die stoel kan sit en die figuur nog meer sny nie.

Gordyne en meubels kan die oorsaak van baie probleme en tekeninge wees. Die getrekte bolyf sal egter te kort na die kyker lyk as u nie ten minste 'n bietjie voorstel oor die stoelkussing of die gordynlaag wat op die stoel kan sit en die figuur nog meer sny nie.

objektiwiteit

Hoe langer u werk, hoe moeiliker is dit om u objektiwiteit te behou. U sal vind dat daar tye is dat niks korrek lyk nie en dat geen hersienings lyk nie. Eers lyk die kop te groot, dan lyk die kop te klein nadat hy dit verander het. Eenvoudig gestel, jy voel verblind. Selfs as u nie fisiek moeg is nie, moet u uself in pas neem en pouse neem voordat u dit teken. Die model is nie die enigste wat rus nodig het nie - ook jy! Neem u pouses na die model, neem gewoonlik vyf minute na elke 20 minute werk en 'n lang pouses gedurende 'n drie-uur sessie. Dit help ook om na u tekeninge met 'n spieël te kyk. Hierdie eenvoudige instrument, wat sedert die Renaissance in gebruik is, keer die prentjie om en laat u die verhoudings van u figuur met 'n bietjie objektiwiteit sien. Moet dit egter nie te veel gebruik nie, anders verloor u ook u objektiwiteit met die omgekeerde beeld.

Hersienkruip

'Revisie-kruip' kom gewoonlik voor wanneer jy jou objektiwiteit verloor het en jy weier om 'n blaaskans te neem. Miskien ken jy die gevoel. Dit begin gewoonlik onskuldig genoeg. U besluit dat een of ander liggaamsdeel 'n bietjie te klein is, sodat u dit vergroot. Dan besef jy dat jy ander liggaamsdele moet vergroot ter vergoeding, en voordat jy dit weet, het jy jou hele figuur na 'n groter grootte hergroepeer en die eerste liggaamsdeel lyk weer te klein. Soos u weet, kan hersiening kruip, selfs as u vol energie en wakker is. Dit help om 'n blaaskans te neem en dan na die beeld in die spieël te kyk voordat u 'n paar minute gelede enige belangrike veranderinge aanbring op 'n figuurtekening. As dit nie werk nie, probeer dan om na die gebied langs die veronderstelde probleem te staar; verbasend dikwels is die werklike probleem elders geleë. As u oog te groot lyk of te na aan die neus geplant lyk, kyk na die aangrensende kenmerke. Miskien is die neus te wyd en dit hou die oog in; of miskien is die oor te groot of te na aan die oog, sodat dit lyk asof die oog die res van die gesig oorweldig.

Ek gebruik dikwels 'n tegniek wat ek “terugspoor” noem as ek probeer om 'n probleemarea te bepaal. As ek byvoorbeeld aan die gesig werk, begin ek met een van die kenmerke op my tekening en plaas my potlood op die hoek. Dan spring ek die potlood na die naaste, aangrensende waardevorm en kyk na die model om seker te maak die afstand is akkuraat. Dan spring ek met my potlood na die volgende waardevorm, kyk weer na die model en herhaal die proses totdat ek die verhoudings bevestig of die probleem opspoor. Dink daaraan soos eilandhopping of, soos sommige kunstenaars dit poëties gestel het, 'n vlieg wat van een detail na die volgende spring.

U moet op u hoede wees om die kruip in die gesig te hersien, veral as u die kop as u meeteenheid gebruik. Soos u onthou van my artikel in die herfs van 2006 tekening [“Hoe om dinamiese koppe te teken”], as die gesigsdriehoek van die oë, neus en lippe te groot vir die gesig is, lyk die kop te groot vir die liggaam. Alhoewel die buitevorm van die kop korrek in verhouding is, kan u in die versoeking kom om die res van die figuur te vergroot, wat dan te groot sal lyk. As u twyfel oor sulke voornemende veranderings, is dit nie seer om dit eers op u opsporingsblad te probeer nie.

Staande figuur
deur Philip Pearlstein, 1962, waterverf en was, 14 x 11.

Ek hou nie van sy voornemens nie, maar as jy kyk na die stippellyn-kontoerlyne wat oor die breedte van die vorms van die model in hierdie tekening buig, kan jy jou amper verbeel dat Pearlstein met sy oë “terugspoor” en met 'n potloodspring uit een groot vorm gaan. of vliegtuig na 'n ander.

Bestudeer vir die figuur van Christus aan die kruis
deur Peter Paul Rubens, houtskool en witkryt, 20¾ x 14½. Versamel die British Museum, Londen, Engeland.

Dit is 'n kragtige 'abstrakte' tekening wat gebaseer is op 'n sterk, plofbare silhoeët aan die buitekant van die figuur en ferm, elegante ligte en donker vorms binne die binneland. Ondanks al die waardevariasies in hierdie tekening, let op dat Rubens kundig al die ligte halftone helder genoeg as 'n eenheid hou, sodat hulle nie met die skaduwees verwar word nie.

Miskien is jy heeltemal tevrede met verhoudings tussen die kenmerk van die kop, maar dit is die liggaam wat jou moeilik maak. Selfs nadat die lengte van die liggaam 'n paar keer aan die kopgrootte gemeet is, lyk die figuur steeds te groot of te klein. As die figuur te groot lyk, maar die lengtes van die figuur korrek is, het u die bolyf en ledemate te dik getrek. Voordat u aan die hersieningskruif toegee en die kop na 'n groter grootte teken, moet u dit oorweeg: Die meeste kunstenaars het nie baie moeite om hul vertikale metings te beoordeel nie, maar hulle struikel gereeld as hulle oor die breedtes van die model meet. Soms maak hulle 'n breedte te breed, soms te dun. Dit gebeur met ons almal. In hierdie gekke oomblikke voel dit asof jy in 'n soort optiese Twilight Zone geval het, waar die figuur wat jy geteken het te kort lyk, wanneer jy dit te wyd gemaak het; of 'n figuur te lank lyk as jy dit te dun gemaak het. Voordat u u lengtes outomaties verander, moet u die breedtes eerstens nagaan om seker te maak dat u uself nie mislei nie.

En dan is daar die truuk van vooruitsig, wat dikwels daarvan hou om 'n aapmoersleutel in alles te gooi. Kunstenaars vind dit gewoonlik nie moeilik om die voorverkorte lengtes van die ledemate te bepaal nie, maar hulle is geneig om die breedtes te klein te trek, asof hulle in verhouding is met 'n korter arm of been. Voorafskorting is, soos die naam aandui, 'n verkorting van 'n vorm van voor na agter. Oor die algemeen (tensy die ledemaat wat u teken aansienlik nader aan u is), meet die breedte tipies net soveel as in 'n nie-geringe posisie. Alhoewel ons oë die waarheid kan sien, moet ons ons senuweeagtige ontkenning oorwin voordat ons dit kan toelaat.

Visuele vervorming

Alhoewel korter as 'n vorm van verdraaiing lyk, is dit nie so nie. 'N Voorgekorte ledemaat is eenvoudig die visuele vorm wat u oog sien. Maar visuele vervorming kan 'n werklike probleem word as u te naby aan die model staan ​​terwyl u teken. U kan net soveel van die figuur sien voordat u u oë na bo of onder moet beweeg. Elke keer as u u oë of kop skuif, verander u u prentjievlak en u perspektiefverhouding na die model: die een oomblik kyk u na die ondervlak van die neus van die model, en die volgende oomblik kyk u af na die boonste vlak van die model se skoene. Baie fotograwe gebruik doelbewus 'n groothoeklens om hierdie soort omvattende uitsig te kry, maar hierdie close-up vis-oog-effek speel 'n verwoesting in die kunstenaar se gewoonlik betroubare meetstelsels. Die presiese gebruik van loodgieterlyne en kopeenhede werk slegs as u die model deur een beeldvlak bekyk, en in hierdie situasie is hulle byna nutteloos, behalwe as 'n algemene gids. Baie van ons kies om hierdie verdraaiingseffek per geleentheid aan te neem. Sommige kunstenaars, soos die Kubiste, ontgin veelvuldige prentvliegtuie tot die uiterste, terwyl ander soos Degas en Raphael Soyer 'n meer ingehoude benadering gebruik. As 'n verdraaiing u interesseer, moet u u derms so veel as moontlik vertrou, sodat u nie u tekening met 'n hewige weergawe of frustrerend swaarhandige, getrekte lyne verpes nie. Vergelyk u liggaamsdele met mekaar sodat u hul verhoudings logies lyk, ongeag die vlak van verdraaiing wat u soek.

Vrou naak, van agter gesien
deur Jacob Jordaens, ca. 1640, swart, rooi en wit kryt, 10? x 8. Versameling National Gallery of Scotland, Edinburgh, Skotland.

Voorafgekorte ledemate lyk vir ons onmoontlik, maar vir ons oë is dit die eenvoudige optiese waarheid. Om suksesvolle vorms van kortstondigheid te teken, moet ons ons gedagtes oplei om uit die pad van ons oë te kom.

Sit ou vrou, haar hande in haar skoot gevou
deur Käthe Kollwitz, 1905, houtskool, 27 x 15½. Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden, Duitsland.

Kollwitz het haar materiale goed benut en die vet, kontrasterende waardes van haar houtskool gebruik om die swaar, somber, maar vasberade kwaliteit van haar onderwerp te herhaal.

As u hierdie soort visuele vervorming wil vermy, is daar verskillende maniere om te bepaal of u te naby aan die model is. Die landskapsskilder George Inness het 'n vinnige en effektiewe oplossing voorgestel. Hy het daarop gewys dat dit gevaarlik is om meer in die landskap te plaas as wat kunstenaars menslik kan sien sonder om hul oë te beweeg, en hy het voorgestel dat ons ons duim en wysvinger in 'n sirkel moet hou en deur dit moet kyk terwyl ons dit aan die einde van ons neuse hou. Die klein siening, het hy gesê, is wat ons kan sien sonder om ons oë te laat beweeg. Baie tekenaars vir akademiese figure verkies 'n meer presiese formule: die afstand tussen die kunstenaar en die model moet ongeveer drie keer die hoogte van die figuur wees. Dit hang af van hoeveel van die figuur u wil teken, maar as u die lengte sonder hierdie verwringing wil teken, probeer om ten minste 14 voet van die model af te staan.

Of u nou na realisme of uitdrukking wil trek, dit is gewoonlik die beste om na 'n eersteklas te teken. Dit is moeilik genoeg om u verhoudings onder beheer te hou met die papier reguit, gesentreerd en parallel met u siglyn. Dit is byna onmoontlik as die papier skuins na jou oë is en jou siening van die tekening verdraai is. U sal sien dat die bene in sommige van Prud'hon se tekeninge effens kort lyk. Dit is moontlik dat hy 'n klomp kortbene-modelle geteken het, maar aangesien ons weet dat hy graag sketsgroepe wou teken, teken hy waarskynlik op 'n stoel met die onderste deel van sy bord nader aan sy oë. In daardie geval lyk die bene perfek in verhouding met hom op daardie vervormingshoek. Ongelukkig het baie van ons slegte rug, so ons moes strategieë uitvind wat ons in staat stel om met 'n tekenbord in ons skoot te gaan sit of om 'n hoek op 'n ander stoel voor ons te sit. Ek probeer om so ver as moontlik van my bord af te sit om verdraaiings te verminder. U sal veral 'n groot hoeveelheid vertikale, visoogvervorming sien wanneer u u tekening vanuit 'n sittende posisie bekyk, maar daar is weinig visuele verdraaiing as u dit van kant tot kant bekyk. Ek moedig my sittende studente aan om nou en dan hul tekeninge sywaarts te draai. Met die tekening op sy sy, kan u die getekende figuur op 'n egalige, vervormingsvrye, konstante hoek van sy kop tot sy toon onder die loep neem.

As u versigtig en spaarsamig gebruik word, kan u spieël 'n nuttige hulpmiddel wees. Ongelukkig, as u u spieël aan die een kant van die tekening hou, sal dit u optiese persepsie van verhoudings verdraai. Moenie heeltemal op die spieël vertrou nie, anders kan u vind dat u akkurate vorms in die tekening verander om die verkeerde, verwronge weergawe van die skets wat u in die spieël sien, te herstel. Ek moedig my studente aan om hierdie toestel slegs te gebruik wanneer hulle dit absoluut nodig het. Ek sê vir hulle om dit te gebruik as hulle 'n vermoede het oor die tekening - miskien is een oog te laag - en gebruik die spieël om hul bekommernisse te bevestig of te ontken. Hou u spieël absoluut parallel met u tekening wanneer u dit gebruik om die verhoudings te bevraagteken. Soms sal u 'n probleem in die spieël sien wat u nie voorheen opgemerk het nie. Moet dit egter nie verander nie, tensy u dit ook as 'n probleem sien as u direk met die blote oog na die tekening kyk.

Vir sommige kunstenaars wat daarvan hou om die figuur uit die lewe te trek, kan 'n een-uur-houding soos 'n ewigheid lyk, terwyl 'n houding van vier weke soos ander vir 'n oogwink voel. Dit is soos 'n skop in jou ingewande as jy besef jy het verder gegaan as die punt van terugkeer, waar die koerant uitmekaar val en dat geen uitvee, ekstra weergawes of bygevoegde reëls dit kan red nie.

Lees van die testament
deur Charles Gibson, ink.

Gibson het 'n sagte atmosfeer-toon gemaak met 'n dun spasieë inklyne, wat normaalweg meer geskik is vir 'n mengelmiddel, soos houtskool of grafiet.

Die aanbieding van Jimmy se wit pak
deur Jerome Witkin, 1987, houtskool, 48 x 84.
Versamel die kunstenaar.

Witkin maak gebruik van al sy materiale - sy houtskoolpotlood, uitveër en papier - om 'n baie noukeurige tekening te skep gevul met interessante teksture; gesture-evokatiewe merke, streel en gesmeer; dramatiese waardes en abstrakte vorms; en 'n atmosferiese gevoel van diepe ruimte.

So, hoe kan u uself red van hierdie verskriklike bestemming? In hierdie artikel gee ek 'n uiteensetting van die vele slaggate waarvoor u waarskynlik te kampe sal kry as u 'n uur of langer aan 'n tekening werk. U moet probeer om dit gelyktydig in gedagte te hou as u 'n lang houding teken, behalwe vir die transendente, allerbelangrike eerste punt wat u moet oorweeg nog voordat u begin met die teken: Definieer u doelwitte!

Waarde-lewering

Te veel kunstenaars, veral beginnerrealisties, kan nie wag om waardes te lewer nie. Sommige van hulle begin selfs met modellering voordat hulle seker is oor die proporsionele verhoudings van hul figuurtekening. En sodra hulle begin, kan dit lyk asof baie van hierdie “realiste” nie ophou om te lewer nie, totdat die koerant 'n paar lae diep met digte kleure bedek is en die tekening lank dood, dof en modderig oorgewig is bo alles wat in die regte wêreld sigbaar is. Merk die waarskuwingswoorde van die vele bekwame realiste wat ons vooruitgegaan het: die volle krag van die oordraagbare lig kan nie op 'n ondeursigtige stuk papier vasgevang word nie, en selfs die donkerste, swartste stuk houtskool kan nie eens die fluweelsagte dieptes van die model benader nie neus. Kunstenaars kan nie die tonaliteit van die regte wêreld, waarde vir waarde, transkribeer nie. Die meeste waarna ons kan streef, is om 'n eweredige verhouding van donker tot ligwaardes op ons papier te vestig. Ons kan soveel halftoonvorms in die ligte insit as wat ons wil, maar ons moet hulle as 'n groep lig genoeg hou sodat hulle nie verwar word met ons donker skaduwee-vorms nie. Ons kan ook soveel skadu-modulasies lewer as wat ons wil, maar hulle moet ook donker genoeg lees as 'n waardemassa, sodat hulle nie met die ligte vorms verwar word nie.

Probeer om oop te wees vir alle weergawemetodes. Baie mense hou daarvan om hul waardes met 'n ligte aanraking te streel en die tekstuur van die papier onder te laat vibreer. Ek wil dit ook graag doen, maar soms vind ek hierdie trillende, geslepen oppervlakrooster, soos staties op 'n ou TV-stel. Baie kunstenaars gebruik 'n stomp om hul waardemassas in die valleie van die koerant te vryf. Ek verkies om my vinger of 'n vlegselweefsel te gebruik om my massas in te vryf. Dit is ongetwyfeld dat die knal wat u so pas gehoor het, die geluid was van 'n monokleurige kunsprofessor wat flou geword het na die lees van die laaste sin, maar as u voortdurend u vingers skoonmaak, sal u vind dat dit 'n baie meer sensitiewe en akkurate menginstrument is as 'n stomp - en sodra een vinger vuil is, het u nog nege punte beskikbaar. As u in 'n stywe vorm te klein is vir u vinger, kan u u weefsel ook om 'n geslypte potlood toedraai en dit gebruik asof dit 'n ultrasharp-substituutstomp is.

Vir myself hou ek baie daarvan. Dit kan vir my soos 'n vorm van meditasie wees. Maar ek probeer om binne die grense van geloofwaardigheid te werk terwyl ek lewer; Ek probeer om my ligte lugtig te hou, nie te donker en modderig nie. Kyk na kunstenaars soos Cézanne en Degas, wat die atmosfeer rondom hul modelle aktief trek. Hulle laat dikwels die buitelyne en helderder helftes van hul figure in die blankes van die papier smelt en hul skaduwee vorms in die koerante van die omliggende omgewing vervaag, en figuur en grond saamsmelt tot 'n atmosferiese geheel.

Materiaal en gereedskap

Te veel kunstenaars probeer hul materiaal dwing om 'n taak wat teen hul aard is te verrig, soos om 'n delikate weergawe op ruwe papier te teken of om 'n grafiese beeld met 'n hoë kontras te maak met grafiet, silwerpunt of kleurpotlood. Natuurlik, jy slaag miskien - maar nie sonder 'n stryd wat homself weerspieël in gefrustreerde, swaarhandige lyne of waardemassas nie. Dink wat die materiale vir u beteken voordat u begin teken. Sodra u die regte materiaal vir u doelwitte kies, moet u dit met respek behandel. Hou u papieraankope versigtig huis toe vanaf die winkel. Niks verwoes 'n tekening vinniger as 'n stuk papier met 'n skerp ding nie, veral as die duik sit waar u die model se kenmerke wil teken. Die natuurlike vet van u hand hou 'n verdere bedreiging vir u papier in. Alhoewel vetvlekke gewoonlik nie sigbaar is vir die oog nie, veroorsaak dit dat grafietpotlode oorslaan, en skep dit vlekagtige tonaliteite en vlekke wanneer u dit met houtskool probeer oorgee. U kan 'n mahlstick gebruik om u hand van die tekenoppervlak af te hou, maar dit sal u vertraag as u probeer om in die aanvanklike skets te lê, en selfs later as u probeer om massas in waardes te bereken. Aanvanklik is dit gewoonlik voldoende om net u hande te was - probeer om nie aartappelskyfies te eet terwyl u in u tekening lê nie! Nadat u die papier met 'n beginskets bedek het, moet u 'n klein, skoon stuk bondelpapier onder u hand plaas terwyl u teken, sodat u nie u inskakeling kan smeer nie. Moenie vergeet om ook verskillende stukke papier onder u tekening te plaas nie. Dit verhinder dat die tekstuur van die tekenbord na die boonste oppervlak van die tekening vryf terwyl u werk.

Staande Manlike Naak
deur Frederick Mac Monnies, 1885, houtskool en grafiet, 24? x 14. Versameling Princeton University Art Museum, Princeton, New Jersey.
Figuurstudie, Damaskus
deur Deane G. Keller, 1998–1999, houtskool, 43½ x 29. Versameling Dorothy Bosh Keller. Foto deur John Kleinhans.

Alhoewel Keller 'n gevoel van volume geskep het deur delikate waardeversiering, het die kunstenaar nooit die essensiële abstrakte silhoeët van die totale figuur uit die oog verloor nie.

Baie onderwysers sê vir hul studente om uitveërs te vermy, asof hulle 'n vorm van bedrog is. Nee, uitveërs is 'n instrument soos al jou ander. Van die vele nuttige toepassings, kan u dit gebruik om u aanvanklike konstruksielyne skoon te maak, of dit as negatiewe tekeninstrumente te gebruik, en om uitgeveerde lyne in waardemassas te streel. As die tonale struktuur of die lynwerk van u tekening te swaar of donker lyk, kan u 'n afgeplatte knie-uitveër neem en die prentjie liggies daarmee tik, en die beeld ligter maak met 'n paar maklike bewegings van die hand . U kan selfs 'n wit uitveër uitvee, asof dit 'n stompie is, en die plat kant van die werktuig oor houtskooltone gly om dit gelyk te maak. These days, erasers are finding greater acceptance as tools, and many companies are producing them in the guise of mechanical pencils for handier use. Reach for one of them when you want to work particularly thin lines into a value shape or want to clean up a small delicate area that might be blurred or wiped out by a larger eraser.

Details

Just because you have more time to render, it doesn’t mean you must absolutely draw every toe and toenail. However, if that is your interest, do it with decisive gusto. Many artists have ruined an otherwise solid and energetic drawing by hesitantly drawing in a detail, erasing it, drawing it again, and then erasing it again. For most artists, the likely problem areas of the figure are the hands and the feet. (I covered the hand in the summer 2007 Drawing Highlights issue in an article titled “A Portrait of the Hand.”) The foot could use an article of its own as well, but most of my advice about the hand equally applies to the foot. It helps to visualize the hand in a mitten, to determine the big shape that contains all of the interior details. Similarly, imagine the foot covered in a sock. As with the fingers, keep the individual digits simple at first, and envision the small toes as a large mass, enclosed by a rectangular subshape.

The Abstracts

You can lose your way by concentrating solely on the superficial realities of the model in front of you—especially in a long-pose drawing. You need to dig a little deeper to take yourself and your viewer to that next level of excitement. Consider the entire, abstract shape of the figure. If you are working alone, direct the model into a pose that produces an interesting silhouette. Perhaps you might build a pose out of dramatic contrasts, with limbs going in all directions like an explosion (as in Deane Keller’s Figure Study, Damascus), or maybe you’ll find a pose grounded in the subtle contrasting chest and pelvis tilts found in many Renaissance drawings and in the 19th-century drawing by Mac Monnies (Standing Male Nude). You don’t have much control when working in a group or class, so if you don’t find the entire pose inspiring, you may need to do a little cropping and draw a smaller area of the figure that does excite you on the abstract level.

And don’t just draw as if the model is an inanimate object. Try to consciously put some thought, emotion, or conceptual idea in the back of your mind as you’re analyzing the model’s head lengths and value relationships. Many artists manipulate their drawings into metaphors for some political, psychological, or sociological statement, but it doesn’t need to be complicated. For example, let’s say you’re worried or elated today about something completely unrelated to art. Channel that feeling into the drawing, and no matter how skilled or unskilled you are on the technical side, you will at least communicate a sense of energy that comes from your underlying emotions.

Take tekening With You Anywhere. Anytime!


Summer 2011 issue art Round L

by Whitfield Lovell
2006-2011, charcoal on paper with
attached card, 12 x 9

Your magazine gets better with each issue and more relevant to our course work as I use it more.
– John Rise
Professor, Savannah College
of Art and Design

Whether you attend an art school, practice drawing on your own, or are an experienced artist, tekening magazine is the one resource that will provide you with a wealth of inspiration to help you give your art a strong foundation. With breathtaking artwork created in graphite, charcoal, crayon, colored pencil, pastel and other materials, tekening is a resource youre sure to refer to time and time again. You wont want to miss a single issue. So reserve a full year (4 issues) of tekening today and choose the format that best fits your lifestyle — Print or Digital!

With a subscription to tekening you will:

  • Learn techniques on how to draw active, lifelike figures.

  • Discover ways to mix mediums and draw with a variety of materials.

  • Find detailed instructional diagrams on the fundamentals of drawing; perfect for any skill level.

  • Learn how to create dramatic shadows, highlights and add subtle details.

  • Get exposure to new ideas about creating and displaying your art.

  • Youll also discover the graceful art of many artists, learn about the materials and techniques they use, what or who inspires them.

Get all this and more with a subscription to tekening. And now were offering you your choice of format! Get the traditional print version or get the new digital version and take tekening with you anywhere!

In Search of Lost Times
by Kate Sammons
2007, charcoal, 20 x 25


With a digital subscription, you can

zoom in to enlarge the font or to see the detail in a featured drawing.

Drawing fundamentals: knowing how to draw forms that contract
in places and expand in others, an artist can accurately depict
many complex, natural shapes, including the human figure.

With a digital subscription, you get all the inspiration and helpful techniques tekening is known for, but now you can have it with more versatility and convenience! You can access your tekening magazines from anywhere with Zinio, the worlds largest digital newsstand and bookstore.

  1. Delivered straight to your inbox instantly – No Waiting!
  2. Read at your conveniencenow you can bring all your copies with you to
    Weekend with the Masters, on vacation, during your commute, or relax and read them in bed!
  3. Zoom in to see details in artwork you find intriguing.
  4. Quick Search of every issue helps you find the artist, medium or advertiser you are looking for!
  5. Click on web sites and email addresses to reach authors and advertisers instantly.
  6. Save room – No more magazines to take up room on the table or bookcase. Save that space for your art supplies!
  7. Archive all your issues in one place – never misplace an issue again!

Youll never be without your favorite instructions, demonstrations or inspiration again! Access your digital subscription on your PC, Mac, iPad, or Android device with Zinio, the worlds largest digital newsstand and bookstore.


Kyk die video: Fokofpolisiekar - Komma Official (Julie 2021).