Tekening

Olieverfskildery: Daniel Graves: Steward of Humanist Art

Olieverfskildery: Daniel Graves: Steward of Humanist Art

Baie van die groot onderwysers wat Daniel Graves opgelei het, was in Amerikaanse kunstenaar in die 1970's, terwyl hy en sy studente in meer onlangse uitgawes geprofileer is. Terwyl die tydskrif sy 70ste bestaansjaar vier, ondersoek ons ​​die akademiese kunsopvoeding wat Graves 'n deel van sy loopbaan aan bewaring gebied het.

deur M. Stephen Doherty

Die bruidegom
2005, olie, 48 x 32.
Courtesy Grenning Gallery,
Sag Harbor, New York.

Baie van die belangrike realiste van die 20ste eeu is in profiel gebring Amerikaanse kunstenaar, en daardie artikels met 'n funksie het 'n sterk invloed gehad op skilders wat honger was na inligting wat hul kreatiewe pogings kan inlig en onderrig. Daniel Graves was gelukkig om saam met verskeie van hierdie invloedryke kunstenaars te studeer, waaronder Joseph Sheppard, Frank Russell, Richard Serrin, Richard Lack, Pietro Annigoni en Nerina Simi; en hy is in die voorbladverhaal van Desember 1988 geprofileer. Sedertdien het Graves voortgegaan om die wonderlike opleiding wat hy aan nuwe generasies kunstenaars ontvang het, deur te gee, en die tydskrif bevat 'n aantal van sy voormalige studente, waarvan sommige nou in die Verenigde State en Europa onderrig gee.

Aangesien Graves een van die belangrike bande tussen die verlede en die hede is, glo ons dat dit gepas is om hom weer gedurende hierdie herdenkingsjaar te besoek. Gelukkig het hy breedvoerig geskryf oor die huidige stand van die kuns, sy eie agtergrond en die missie wat hom as kunstenaar en onderwyser dryf. Die volgende is 'n uittreksel uit die opstel wat Graves geskryf het om die tradisie wat hy voer, te verduidelik, en die metodologie wat hy gebruik om nuwe generasies kunstenaars aan die tradisie te verbind.

Nadat ek 'n groot deel van my lewe as kunstenaar en onderwyser aan die representatiewe kunste gewy het, is ek baie bly om te sien dat 'n toenemende aantal mense meer tradisionele weergawes vir hulle vind. Die tradisie waarna ek verwys, is dié van die humanistiese gees in die Westerse kuns.

'N Uitstalling van Graves se werk is
wees op die Eleanor te besigtig
Ettinger Gallery, in New York,
begin 8 Maart 2007.
Vir meer inligting oor Graves,
besoek sy webwerf by www.danielgraves.com.
Om die volledige teks daarvan te lees
opstel of om meer te wete te kom
Die Florence Academy of Art,
besoek die skool se webwerf by www.florenceacademyofart.com.
Vir 'n lys van ander kunsskole
die handhawing van die tradisie wat Graves beskryf,
besoek die webwerf van die Art Renewal Centre.

Toe ek in 1968 met Joseph Sheppard en Frank Russell aan die Maryland Institute College of Art in Baltimore begin studeer het, was die meeste, indien nie almal nie, die waardige tradisies van kunsonderrig gekoppel aan die 19de-eeuse ateliers van Europa. Die inligting wat studente ontvang het, is sedert die Renaissance deurgegee, eers deur individuele kunstenaars wat vakleerlinge aangeneem het, en dan deur middel van die akademies wie se funksie dit was om kunstenaars op te lei en 'n tradisie van vakmanskap te handhaaf. Omdat daar min sulke instansies in die Verenigde State was, het die meeste Amerikaanse skilders na hierdie Europese ateliers gereis om die beginsels en tegnieke wat krities vir hul beroepe was, te leer.

Van die Amerikaners wat die Europese akademies probeer naboots, soos R.H. Ives Gammell en Richard Lack, het hul eie akademies geopen. Gammell het Lack in sy atelier in Boston opgelei, en Lack het daarna The Atelier Lack [nou The Atelier] in Minneapolis geopen, wat steeds onder leiding van sy studente werk. Ander ateliers, hede en hede, met skakels na Gammell of een van sy studente, is onder meer dié wat deur Allan Banks, Charles Cecil, James Childs, Robert Cormier, Stephen Gjertson, Gary Hoffman, Don Koestner, Robert Douglas Hunter, Richard Whitney, Andrea gerig is. Smith, Ryan S. Brown, en Juliette Aristides.

My eie begeerte om gekoppel te wees aan die tradisie op 'n tydstip waarin dit nie meer geheel was nie, toe dit beskou is as passé om dit te wil doen, en toe die taal vergete is, is dit wat my in 1978 na Florence gebring het. Ek het nie besluit om in 1982 'n kunsskool met Cecil te open nie (wat tot 1990 voortduur as die ateljee Cecil-Graves), en toe stig ek die Florence Academy of Art in 1991, en ek bly die direkteur daarvan. My doel was om Lakes se lering te meng met dié van ander kunstenaars / onderwysers wat my baie beïnvloed het. Die opvoedkundige program en die tradisie waarop dit gebaseer is, is wat honderde studente na die Florence Academy of Art gebring het, waarvan verskeie hul eie ateliers gestig het.

Selfportret
2005, olie, 15 3/4 x 19 3/4.
Privaat versameling.

Om te sê dat ons almal in hierdie akademiese tradisie werk, beteken nie dat ons vakinhoud en artistieke belang dieselfde is nie. Soos ek hoop uit die tekeninge en skilderye wat gemaak is deur die kunstenaars wat ek pas genoem het, en hul studente, probeer elkeen van ons 'n unieke werk skep op grond van sy of haar individuele artistieke pad. Ons praat egter almal met dieselfde beeldtaal. Dit wil sê, ons het almal geleer tot die mate wat ons kan, die taal van die tradisie, wat ons gebruik om ons visies uit te druk. Ek wil graag glo dat ons missie is om fragmente van die humanistiese tradisie aan te pas, sodat ons betekenisvolle beelde kan bydra wat toekomstige geslagte sal inspireer.

My vroeë strewe na die tradisie
My eie artistieke paadjie, soos Ive uiteengesit het, begin by die Maryland Institute College of Art en gaan voort met my nagraadse studie in Florence aan die Villa Schifanoia, waar ek Richard Serrin ontmoet het, een van die groot invloede op my lewe. Hy het my geleer hoe om 'n skildery te lees en sodoende 'n deur oop te maak wat noodsaaklik is vir die ontwikkeling van 'n diep en deurlopende dialoog met vorige meesters. Hy het 'n diepgaande tegniese begrip van Rembrandt en die 17de-eeuse skildery getoon, maar net so belangrik, het hy met die wêreld van die skildery gekommunikeer en met my gepraat oor die belangrikheid van wat hy gesien het.

Die ontdekkingsreisiger
2003, olie, 35½ x 27½.
Alle kunswerke in hierdie artikelversameling
die kunstenaar, tensy anders aangedui.

Later is ek saam met Serrin na Minneapolis om hom te help met 'n muurprojek, en daar ontmoet ek Richard Lack, by wie ek amper 'n jaar studeer het. Uit gebrek het ek baie geleer van die akademiese tradisies van die Boston-skool, wat deur Gammell aan hom deurgegee is, en die sigmetode om te teken en te skilder wat deur baie van die portretskilders van die 19de eeu gebruik is, waaronder John Die sanger Sargent. Ek is toe terug na Florence en studeer by Nerina Simi, of Signorina Simi, soos ons haar noem. Die dogter van Filadelfo Simi - 'n Florentynse skilder in die Macchiaioli-styl, wat saam met Jéan-Léon Gérome studeer het? - Signorina Simi het haar vaders atelier onderhou vanaf sy dood in 1923 tot haar eie in 1987 op die ouderdom van 97. Ek keer terug na Florence om saam met haar te studeer, want die werk wat uit haar ateljee gekom het, het sterk punte wat ek wou verwerf.

Beide Mack en Simi bied 'n verbinding aan my met Gérome wat vir my betekenisvol was. 'N Gebrek het hy deur die Gammells-stam geërf, terwyl Signorina Simi haar opgespoor het deur saam met haar pa in die ateljee te werk. Albei het teruggekeer na Gerome, en hulle het baie ooreenkomste gehad in wat hulle geleer het, maar ook 'n hele paar verskille.

Italië - met sy museums, kerke en natuurlike skoonheid, en as 'n plek waar die kunste tradisioneel gefloreer het - was nog altyd 'n magneet vir kunstenaars. Die teenwoordigheid van Signorina Simi en Pietro Annigoni in Florence het baie jong skilders (insluitend ek) gelok wat op soek was na die afgeronde drade van die realistiese tradisie. Ons wou desperaat verbind wees met die tradisie, en dit het gelyk of kunstenaars nêrens anders werk soos in die verlede nie - met die aandag op kunswerk, selfs op die mees basiese materiaalvlak. In Florence noem mens jouself nie 'n kunstenaar nie, maar 'n skilder; en as 'n mens die respek van ander verdien het, soos Annigoni, het jy die titel maestro gekry.? Hierdie dinge het ons laat voel dat skildery 'n edele beroep was, diep gewortel in kunsvlyt, kultuur en gemeenskap. Van die wat gekom het, het slegs 'n paar maande gebly; ander, soos ek, het gebly omdat Florence hulle betower het met sy skoonheid en kultuur.

Hans
2005, olie, 27½ x 23¾.

Alhoewel ek nie by Annigoni, wat in 1988 op 78-jarige ouderdom oorlede is, gestudeer het nie, het ek hom goed leer ken. Hy was, soos sommige hom noem, die aartsvader van die realisme.? Hy het die standaard vir die ontwerp van vakkundiges gestel en hoop gegee omdat hy kon teken en skilder soos kunstenaars in die vorige eeue gehad het.

Ek het sy ateljee baie keer besoek om my skilderye vir hom te wys; hy was altyd bemoedigend, maar het nooit baie lof gegee nie. Nie veel vir klein praatjies nie, hy geniet dit om die dieper betekenis van die lewe te bespreek. Natuurlik was kuns altyd op die voorpunt van ons besprekings. Terwyl ek na die ateljee by die ateljee sou vertrek, sal hy my altyd aanmoedig. Buon lavoro. Forza e coraggio? (Werk hard en goed. Krag en moed), sou hy dink, dink ek, van 'n Romeinse vegter.

Onderrigmetodologie aan die Florence Academy of Art
In 'n skool vir beeldende kunste is dit die plig om slegs onbetwiste waarhede te leer, of ten minste diegene wat berus op die beste voorbeelde wat eeue lank aanvaar is. H. Flandrins se woorde, gedruk op ons brosjure, is die naaste wat ons aan 'n missiestelling by The Florence Academy of Art artikuleer. Met Flandrin - en soveel ander wat ons kon aanhaal - as ons gidse, leer ons die kuns om te werk in die realistiese tradisie, soortgelyk aan hoe dit geleer is in die 19de-eeuse ateliers van Wes-Europa - nie noodwendig om 19de-eeuse werk te produseer nie, maar , soos ek vroeër genoem het, omdat ons mees direkte skakel met die tradisionele waardes en leringe uit die verlede, wat bekend is dat hulle kunstenaars op die professionele vlak in die realistiese tradisie geproduseer het, deur hierdie ateljees is. Omdat ek stukke van die tradisie by baie mense opgetel het, is dit wat ons by The Florence Academy of Art leer, 'n mengsel van wat ek ontvang het van baie van die wat ek vroeër genoem het, op my eie manier geïnterpreteer.

Wolkstudie
2006, olie, 35½ x 51¼.

As 'n mens kyk na die ateljee-stelsel van opleiding as model, is die Florence Academy of Art anders as die meeste ander kunsskole, waar studente na 'n verskeidenheid klasse gaan en dikwels deur baie mense onderrig word. As studente by die deur van die Florence-akademie inloop, kry hulle 'n ateljeewoonruimte en hul werk in 'n ritme van werk wat konstant sal bly gedurende hul studiejare. Aangemoedig hulle om, soos John Constable gesê het, geduldige leerling van die natuur te word, word die helfte van die dag spandeer aan die figuur en die ander helfte van die dag in hul ateljees en aan spesifieke oefeninge gewerk. Ons demystifiseer die opleiding van 'n kunstenaar en breek die uiters ingewikkelde taak om uit die lewe te leer teken, skilder en beeldhou, geleidelik. In die algemeenste terme spandeer studente hul dae aan om presies te sien en neer te lê wat voor hulle is, want, soos Leonardo gesê het, sal die skilder foto's van min verdienste vervaardig as hy die werke van ander as sy standaard beskou; maar as hy homself toepas om van die natuurobjekte te leer, sal hy goeie resultate lewer.

Om dit te doen, is egter nie maklik nie: 'n stap-vir-stap vordering deur die skoolkurrikulum, van leer om akkuraat te teken tot leer om presiese kleurwaardes in olie te gebruik - of, vir die beeldhouwerkstudente, om te leer om die korrekte struktuur te gebruik in klei - neem studente gewoonlik vier tot vyf jaar. Met enkele uitsonderings fokus studente uitsluitlik op hul eerste jaar. Nadat hulle vertroue in hul vermoë het om akkuraat te wees, word hulle gevra om, as voorbereiding om 'n skilder te word, 'n gevorderde begrip van waardegraderings te ontwikkel - vandaar die gebruik van houtskool, waarvan die reeks dit 'n effektiewe medium maak om lig te verken en donker. Intermediêre studente het 'n sterk grondslag in tekening, beide in grafiet en houtskool, en gewoonlik begin hulle aan die begin van hul tweede jaar met houtskool en wit kryt op getinte papier, 'n stap nader aan die skilderkuns. Die studente wat tekeninge gebruik, begin soos die werklike rolverdeling lyk, en hul figuurtekeninge het die gewig en balans van 'n lewende persoon. Met die hand van hierdie tekenvaardighede word die eerste skilderprojekte toegeken.

Studeer vir die geskenk
2006, houtskool en witkrijt, 53½ x 47½.

Dit neem tyd en ervaring om beheer oor hierdie nuwe medium te kry, en soos met teken, beweeg ons stap vir stap. Ons versag die oorgang van teken deur studente met skilderkuns te begin en grisaille—Dit is met skilderye in grys. Dit gee studente die kans om vertroud te raak met die gebruik van verf om waardes te bestudeer sonder die meer ingewikkelde kleur. Slegs enkele projekte word gegee en grisaille (gewoonlik twee rolverdeling en een figuurverf van vyf weke) voordat 'n projek in beperkte kleur toegeken word. Ons begin studente met drie kleure, nie wit ingesluit nie: geel oker, Engels rooi en swart. Dit is die mees tradisionele en basiese palet wat daar is - studente begin al eeue daarmee, en daar word vermoed dat baie wonderlike skilders, soos Titian, dit gebruik het om van hul beste werk te lewer. Sodra studente die potensiaal van hierdie basiskleure ontdek het, word ander bygevoeg soos nodig: Napels geel, vermillion, kobaltblou, ens.

Derdejaarstudente kry tyd om die materiaal wat hulle in die tweede jaar aan hulle gegee het, op te neem en te oefen, tesame met 'n groter mate van moeilikheidsgraad. Portrette word voorgestel, eers in tekening, daarna in skilderkuns. Baie studente begin met 'n voorsprong op sekere vakgebiede en kan meer tyd spandeer om hul vaardighede te ontwikkel in die omgewing wat hulle die meeste fassineer.

Teen die vierde jaar het studente die tekening in twee media bemeester en is hulle vertroud met die metodes en materiale van olieverf, laasgenoemde net so belangrik in die studies van 'n skilder as die vorige. Dit is nou die tyd om vaardighede te verfyn, om kwellende swakhede te identifiseer en aan te pak, en om tegniese kennis op die proef te stel. Een van die voordeligste beleide wat ons die afgelope tien jaar ingestel het, is die finale kritiek. Aan die einde van elke trimester bring studente elkeen die werk wat hulle geproduseer het afsonderlik voor hul saamgestelde onderwysers saam. Die doel van die kritiek is om studente te laat weet as hulle op koers is, om hulle 'n duidelike aanduiding te gee van wat ons voel oor hul sterk- en swakpunte, en om hulle persoonlike voorstelle te gee oor hoe om te verbeter. Hulle kry 'n slaag- of nie-slaagsyfer op grond van hul vordering in vyf verskillende kategorieë: vordering, prestasie, houding, moeite en bywoning.

Ek vermoed dat die dae vir sommige studente soms traag en vervelig lyk, maar as hulle vertrek nadat hulle 'n paar jaar hier was, weet hulle hoe om 'n prosedure te volg wat werk. Elke kuns gaan oor beheer: as u nie spesifieke bewegings van ballet kan volg nie, kan u nie ballet dans nie; u kan nie klassieke musiek speel nie, tensy u beheer het oor al die skale en u vingers. U kan nie op 'n tradisionele manier skilder en beeldhou nie, tensy u die nodige beginsels en tegnieke geleer het, soos beweging, gebare en proporsie.

Studeer vir die geskenk
2006, houtskool en witkryt, 52¼ x 50.

Daar is oor die algemeen twee soorte studente: diegene wat blykbaar 'n spesiale gawe het om te sien en dan vinnig en vloeiend uit drie dimensies in twee te vertaal, en diegene wat sukkel vir elke nuwe vaardigheid wat hulle aanleer. Albei maak uitstekende skilders en beeldhouers, sowel as uitstekende onderwysers, om verskillende redes. Eersgenoemde is dikwels bewonderde rolmodelle; hulle sien vinnig die foute van die studente en die rede waarom hulle dit gemaak het. Aan die ander kant het diegene wat gesukkel het 'n deeglike begrip van die probleme; hulle dien as voorbeelde van vooruitgang en kan simpatie hê met die frustrasie van diegene wat sukkel.

Wat skynbaar algemeen voorkom by diegene wat suksesvol is, dié wat oorleef, is hul passie en harde werk. Ek glo dat iemand sukses kan behaal, ongeag sy of haar talentvlak, as hy of sy heeltemal passievol, betrokke en ywerig is. Soos Michelangelo gesê het: As mense weet hoe hard ek werk, sou hulle nie hou van wat ek doen nie.?

'N Persoonlike verklaring
Alhoewel stukke van die tradisie gered en oorgedra is, maak ek my besorg oor die huidige stand van hierdie kennisgroep, wat een van die redes is waarom ek deur die jare 'n deel van my tyd aan onderrig bestee het. Toe ek die program by The Florence Academy of Art ontwikkel het, het ek gekies om die aspekte van die tradisie wat vir my noodsaaklik gelyk het, te benadruk. Daarmee was dit nie my begeerte om die tradisie te manipuleer om by my persoonlike visie te pas nie, maar om dit te versterk, daarop voort te bou en aan 'n generasie studente die gereedskap te gee wat hulle nodig het om hulself te wy aan dit wat ek as die grootste beskou en mees uitdagende beroepe van almal: die skepping van beelde wat emosionele resonansie en tegniese vaardigheid het, en wat in hul waarheid en skoonheid idees van groot belang oordra. Soos ek vroeër genoem het, het ek dit wat ek geleer het van die invloedryke kunstenaars / onderwysers wat ek gedurende my eie studie ontmoet het, vermeng. Ek het hul leringe noodwendig op my eie manier geïnterpreteer deur die stukke bymekaar te pas soos dit die beste gelyk het. In die gees om dit wat suiwer is, aan studente oor te gee? of waar? Dit wil sê, om te verseker dat ons onderrigbeginsels en nie style, maniere of tegnieke oplê nie, fokus ons op praktiese vaardighede in die skool.

Die gawe
2006, olie, elke paneel 51½ x 53½.

Om hierdie klassieke tegnieke van teken, skilder en beeldhou te leer, moet u die taal ken sodat hulle kan verstaan ​​op 'n manier wat verstaan ​​word. Ek wil hierdie taal aan studente oordra, nie sodat hulle dan na hul ateljees sal gaan en werk produseer wat 'n nabootsing van die verlede is nie, maar sodat hulle die wêreld kan binnekom en kunswerke kan skep in 'n taal wat lankal gebruik is. deur kunstenaars, en dit is al lankal verstaan ​​deur mense van alle vlakke van die samelewing - of dit nou kunstenaars is of andersins. Al wat gesê word, is ek die meeste bewus daarvan dat die tradisie veel groter is as die som van al die elemente van kunsvlyt. Ons staan ​​inderdaad op die skouers van reuse.

John Ruskin het daarop gewys dat daar geslagte mense agter ons is wat ons help om kunswerke te maak. Ek wil ook byvoeg dat hierdie generasies kunstenaars die tegniese en sielkundige betekenis van skilderkuns tot so 'n hoë vlak gebring het dat elkeen wat die stokkie neem, die hardste kompetisie het. Hoekom kan ons Leonardos nie vandag produseer nie? kan 'n mens vra. Ek glo nie dit is slegs omdat ons nie oor tegniese kennis en kundigheid beskik nie. Ek glo dit is omdat daar iets is boonop tot die tegniek wat ook deel is van die tradisie. Ek hoop dat hulle deur die skool in Florence te hê, deur studente bloot te stel aan sy wonderlike meesterwerke en kultuur, dat hulle meer van die wese van die tradisie sal opneem, dat hulle meer as tegnieke agter hulle sal hê om hulle te motiveer.

Aangesien ons die werk van vorige eeue nie net wil herhaal nie, dink ek dat een van die groot uitdagings wat ons in die gesig staar, is om te ontdek wat ons gaan verf en beeldhou. Om bloot die oppervlakvoorkoms van die werklikheid op te teken? was nog nooit die provinsie van skilderkuns, waarvan die taal baie dieper is nie. Kunstenaars het van die begin af dinge geskilder, gekerf en geteken wat vir hulle betekenis gehad het, en die beelde wat hulle agtergelaat het, is 'n lewende testament, 'n teken van hul bewussyn op aarde.

Om die getuienis voort te sit van wat mense gesien, geglo, gevoel en gedink het, moet ons die moed hê om onsself af te vra waarvoor ons regtig omgee, want as ons nie weet nie, kan ons dit nie uitdruk nie. Ons moet ons vermoë tot diep gevoel ontwikkel, want wat ons met ons verstand weet, is slegs 'n deel van wat ons aan ons kuns moet gee - ons het ook ons ​​harte om te gee. Baie van ons is vandag volwassenes in ons gedagtes, maar kinders in ons harte. Ons moet wys word in ons harte, in tandem met die slyp van ons ambag, sodat ons onsself kan uitdruk op 'n manier wat ander mense sal aanraak en sinvol sal wees. Om skoonheid en betekenis in ons lewens te soek, is om dit in ons kuns in te bring.


Kyk die video: Continuum: The Art of Daniel Graves (Junie 2021).