Hoe om te begin

Beginner: Drawing Masters

Beginner: Drawing Masters

As 'n mens tekeninge bestudeer, kan dit nuttig wees om te leer van meesters wat voorheen gekom het om inspirasie te kry en maniere te vind om uitdagings te benader. Vir diegene wat tekeninge ontdek, is daar verskeie meestertrekkers wat u kan leer.

deur Naomi Ekperigin

Portret van Madame dHaussonville
deur Jean-Auguste-
Dominique Ingres, ca. 1842, grafiet, 9 3/16 x 7¾.
Versameling The Fogg Art Museum
aan die Harvard Universiteit,
Cambridge, Massachusetts.

'Ek glo dat teken die grondslag van alle kuns is,' sê die kunstenaar Mary Reilly. Baie kunstenaars is van mening dat tekenvaardighede van uiterste belang is om in enige medium te werk, selfs al is tekenaars nie die grootste belangstelling daarvan nie. Daar was van vroeg af kunstenaars wat tekeninge as voltooide werke in eie reg waardeer. Hierdie kunstenaars het die medium verder verhef en die breedte van geleenthede getoon wat beskikbaar is vir diegene wat verder wil teken.

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Die Franse neoklassieke skilder Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) was 'n gebore tekenaar. Sy vader het van kleins af sy vaardighede in teken gekweek, en op 17 het Ingres na Parys gaan studeer onder Jacques-Louis David, wat tydens die Franse Revolusie die amptelike 'kunszaar' van Napoleon was. Alhoewel hy diep beïnvloed is deur die Renaissance-skilder Raphael, en self 'n begaafde skilder, is dit Ingres-tekeninge en portrette waarvoor hy die bekendste is.

Ingres verhuis in 1808 na Italië nadat hy die Grand Prix de Rome, Frankryk se voorste kunsbeurs, gewen het. Daar het hy sy kunsvlyt geslyp, geïnspireer deur die werk van Old Masters. Om homself en sy vrou te onderhou, aanvaar hy skilderkommissies van die staat en voltooi honderde grafietportrette vir toeriste, reisigers en ryk emigrante. Hierdie klein portrette is 'wonderlike kunswerke wat 'n wonderwerk van talent, eienskappe, posisies, kostuums, atmosfeer en karakter betref', het die kunshistorikus Stephen Longstreet geskryf. 'Die mense is eg. Hulle haal asem en bestaan ​​op aarde. ”

Bladstudies van vroue vir Die Turkse bad
deur Jean-Auguste-
Dominique Ingres, ca. 1830,
pen, bruin ink en grafiet
op twee saamgevoegde velle, 6¾ x 4¾.
Versamel die Louvre, Parys, Frankryk.

Die vermoë om die werklikheid vas te lê was te danke aan sy tegniese vaardigheid en vertroudheid met anatomie. Met so 'n aangebore kennis van die menslike vorm, kon die kunstenaar ordentlik gordyne lewer op 'n manier wat in elke plooi en vou die vorm van die liggaam gevolg het. Die kunstenaar se vermoë om 'n gestalte te kry, spruit uit sy toewyding aan presisie, wat hy ontwikkel het deur tekening. Ingres was 'n kompulsiewe laai en het studente aangespoor om met hul oë te teken as hulle dit nie met 'n potlood kon doen nie. Vir sy geverfde portrette en muurskilderye het hy soms honderde voorbereidende tekeninge gemaak. Dit lyk asof hy hierdie stap van die proses bevredigender gevind het as die werklike skildery van die muurskilderye, wat hy soms laat vaar het. “Die fases was: studeer vanuit die lewe, wring waarheid uit ervaring, vierkant, vergroot, vervoer op doek, teruggaan, indien nodig na die model vir hierdie of daardie detail,” skryf Avigdor Arikha in J.A.D. Ingres: Vyftig lewenstekeninge uit die Musée Ingres in Montauban, die katalogus vir 'n uitstalling in die Museum of Fine Arts, Houston. 'Vra die graaf de Pastoret vir sy handskoene of gaan terug na die linkerarm van Madame Moitessier, teken dit lewensgroot om dit direk op doek te transponeer en keer op keer terug te gaan. Dit is toe Ingres vasval. Dit was 'n omvattende - byna obsessiewe - proses wat daarop gemik was om nader aan die waarheid van die saak te kom. '

Kunstenaars van alle vlakke kan leer uit Ingres se aandag op detail. Sy werksetiek was bewonderenswaardig, en hy het tekeninge geskep wat tegnies aangenaam en emosioneel was. "Van al die meesters wat ek bestudeer het, het ek die werk van Ingres baie geniet," sê Reilly. 'Ingres se voorkeurmateriaal was die skerp gepunte grafietpotlood en gladde wit papier. Hy het geglo dat kleur nie meer as 'n bykomstigheid tot teken is nie. Vir hom was tekening nie net die streep nie. Dit was die uitdrukking, die innerlike vorm, die komposisie en die modellering. ” Dit is hierdie siening wat die 20ste-eeuse moderne kuns en generasies kunstenaars van Degas tot Dinnerstein beïnvloed het.

Sit naakte vrou
deur Pierre-Paul Prudhon, 22 x 15.
Versamel die Metropolitan
Museum of Art, New York,
New York.

Pierre-Paul Prud’hon

Soos Ingres, is Pierre-Paul Prudhon (1758–1823) ook as skilder aangeprys, maar die tekening was die grondslag vir sy werk. Op sy dag bekend vir sy allegoriese en mitologiese skilderye, is dit nou sy figuurtekeninge wat kykers inspireer en verdoof. As kunsstudent aan die Dijon-akademie in die vroeë 1780's, het Prud'hon hom toegewy aan die streng opleiding in tekenwerk wat nodig geag word vir almal wat gehoop het op 'n suksesvolle loopbaan as kunstenaar. Academiën—Figure studies uit die lewendige model — was die manier waarop studente hul vaardighede benut het deur honderde van hierdie tekeninge te voltooi teen die tyd dat hulle gereed was om hul beroepe uit te oefen. Die proses het jare geduur en 'n aantal aspirante uitgewis, hetsy weens 'n gebrek aan toewyding of talent. Alhoewel hierdie streng en langdurige opleiding vir die studente van vandag moeilik kan wees, was hierdie figuurtekeninge van deurslaggewende belang vir kunstenaars, waarvan baie hierdie studies gedurende hul loopbaan geskep het vir idees en praktyk.

Académie van 'n sittende man
deur Pierre-Paul Prudhon,
swart en wit kryt op blou papier, 14 9/17 x 10 ?.
Versameling Museé Baron Martin,
Grey, Frankryk.

Prud’hon was een so 'n kunstenaar, en meer as sy tydgenote het hy sy hele loopbaan aan die akades gehou. Wat nog meer opmerklik is, is dat Prud'hon hierdie figuurtekeninge verkies het bo voltooide skilderye, selfs toe sy loopbaan gevorder het. Teen 1788 het die kunstenaar 'n handtekeningstyl ontwikkel van figure geteken in gekleurde kryt op getinte papier. Die tekeninge is dikwels in verskillende lae opgebou, waaronder broei en breë gange van toning en stamp. Deur lyne, klanke en verskillende tegnieke te meng, het Prud’hon kunstenaars die volledige reeks ekspressiewe moontlikhede van kryt en papier aangebied. “Prud’hon se studies dra 'n sterk gevoel van emosie oor,” sê Reilly. 'Sy merke lyk los en vry, maar hulle is perfek geplaas.' Stem saam met kunstenaar Kenneth Procter, "Prud'hon het 'n paar tekeninge voltooi waar die kern van die skaduwee soos 'n streep in die hele lengte van 'n pose loop, wat elke nuans van spiere blootlê - dit is absoluut verbluffend." Met sy kennis van die menslike liggaam wat so diep ingewikkeld was, kon hy op sy onderwerp konsentreer en hom of haar met die lewe beklee, vinnig merk en onmiddellik reageer op sy eie gedagtes sonder om bekommerd te wees oor anatomie of waaksaamheid.

Op 'n vroeë ouderdom het Prud'hon 'Paul' by sy naam gevoeg ter ere van die Vlaamse skilder Peter Paul Rubens (1577–1640), wat ook 'n meestertekenaar was. Prud’hon het die kunstenaars se liefde vir die menslike figuur en diepgaande kennis van anatomie gedeel, maar dit is waar hul ooreenkomste eindig. Rubens was 'n voorstander van die Barokstyl, bekend vir sy klem op kleur, uitspattige detail en dinamiese beweging. Prud’hon, aan die ander kant, het dramatiese beweging weggeneem en gefokus op die manier waarop lig oor vorms beweeg. Wat Prud'hon egter van sy voorganger geleer het, is die belangrikheid daarvan om voortdurend nuwe werk te skep, ongeag styl. Rubens was een van die mees produktiewe en uiteenlopende kunstenaars van sy tyd, met 'n weergawe wat altaarwerke, geskilderkuns, portrette en landskappe insluit, sowel as boekillustrasies en argitektoniese ontwerpe.

Die aanname van die maagd
deur Peter Paul Rubens, ca. 1612,
bruin ink en bruin was,
wit liggaamskleur, en swart kryt op bruin
vraestel, 11? x 9 ?. Versameling Albertina
Museum Wene, Oostenryk.
Sit jong vrou met verhoogde arms
deur Peter Paul Rubens, 1631–1632,
swart en rooi kryt met wit
verhoog, 16 x 19 11/16.
Versameling Staatliche Museen zu
Berlyn, Kupferstichkabinett, Berlyn, Duitsland.

Peter Paul Rubens

Daarbenewens het die kunstenaar honderde tekeninge vervaardig, wat van die begin van sy loopbaan af 'n verskeidenheid ondersteunende rolle in sy werk gespeel het. As jong kunstenaar spandeer hy baie van sy tyd aan die kopiëring van meesterwerke; 'n Verhuising na Italië in 1600 verskuif sy onderwerp na die werk van die Renaissance-meesters. Die doel van werke van Titian, Michelangelo en Raphael was nie net om te leer nie. Soos kunstenaar-instrukteur John A. Parks opmerk, “Dit was eintlik 'n poging om die beskikbare ikonografie en komposisies op te pak sodat hy 'n persoonlike beeldbiblioteek kon versamel vir latere gebruik. Wat die kunstenaar die meeste waardeer in hierdie tekeninge, was nie hul persoonlike kalligrafie of kwaliteit van die weergawe nie, maar bloot hul ontwerpinligting. ”

Rubens het hierdie beeldbiblioteek gebruik om as inspirasie te dien vir die groot altaarstukke wat hy opdrag gegee het om te skep. Hy begin hierdie groot werke met 'n voorlopige tekening in swart of bruin kryt, en dan maak hy 'n olieskets. Hierna het die kunstenaar teruggekeer om te teken en groter stukke uit lewendige modelle met swartkryt gemaak. Hierdie groter tekening het hom toegelaat om meer detail en anatomiese akkuraatheid in te sluit, en sy onderwerp met 'n lewendigheid waarop barokkunstenaars trots was, toegevoeg.

Alhoewel Rubens waarskynlik weinig aan sy tekeninge gedink het, kan kunstenaars vandag baie uit sy voorbereidende werke haal. Sy tekeninge het sy skilderye verryk en hom gehelp in elke stadium van die proses. Toe hy uiteindelik olie op die doek geplaas het, het hy 'n duidelike visie en was hy seker hoe hy dit moes uitvoer. Deur tekeninge het Rubens sy visuele woordeskat uitgebrei, wat hom in staat gestel het om honderde briljante werke te skep.

Vrou Met Dooie Kind
deur Käthe Kollwitz, 1903, ets.
Versamel die Nasionale Galery van
Art, Washington, DC.

Käthe Kollwitz

Die Duitse skilder, drukker en beeldhouer Käthe Kollwitz (1867–1945) is miskien beter bekend vir haar onderwerpe as haar vaardigheid. Haar etse, litografieë en tekeninge was hoofsaaklik van die mense van die werkersklas wat sy om haar gesien het, en sy het aan kykers 'n ontroerende verhaal van menslike lyding en stryd aangebied. Haar diep emosionele verbinding met haar onderwerpe het haar in staat gestel om kuns te skep wat vandag nog by die gehore resoneer, en kunstenaars kan inspireer wat persoonlike en / of politieke onderwerpe wil aanpak. 'Ek het die vroeë werk van Kollwitz en die diepte van die vorm van haar groot lynwerk gekry,' sê kunstenaar en instrukteur Dan Gheno. 'Ek het ook die emosionele krag in haar werk waardeer. Sy het my geleer dat ek veel verder kan gaan as die oppervlakvorm as ek binne-in my kyk. ”

Selfportret
deur Käthe Kollwitz, 1924, litografie.

Kollwitz het gereeld in siklusse gewerk en die onderwerp van historiese opstande en veranderinge aangepak. Die eerste van hierdie reekse was The Weavers, wat bestaan ​​uit drie litografieë en drie etswerk gebaseer op die Duitse dramaturg Gerhart Hauptmann se dramatisering van die mislukte opstand van 1842. Kollwitz se werke was nie 'n letterlike illustrasie van die historiese feite of die aanpassing van Hauptmann nie; In plaas daarvan fokus sy op die ellende, hoop en sterkte van die werkers. Toe hierdie stukke in 1898 aan die publiek uitgestal is, het die kunstenaar groot lof gekry, en dit is steeds een van haar beroemdste projekte. Dit is later gevolg deur haar reeks Boereoorlog (1902-1908), gebaseer op die opstand van die Duitse kleinboere van 1522-1525. Teen hierdie tyd is die kunstenaar beskou as een van die belangrikste Duitse grafiese kunstenaars van haar tyd.

Benewens die uiteenlopende onderwerpe, het Kollwitz 'n verskeidenheid tegnieke in drukwerk met hierdie reekse ondersoek, waaronder foto-etswerk, intaglio en litografiese drukwerk in kleur. Op hierdie stadium het sy haar werk vereenvoudig en haar baie gedetailleerde realistiese benadering agtergelaat ten gunste van 'n vertelling van emosie. Dit is hierdie verbintenis tot humanistiese temas en 'n emosionele verband wat die werk van Kollwitz onderskei.

Portret van Igor Stravinsky
deur Pablo Picasso, 1920,
grafiet, Collection Museé Picasso,
Parys, Frankryk.

Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881–1973) is 'n internasionale kunstenaar, een wat in Europa in onstuimige tye in Europa gewoon het en sy kuns gebruik het om die vinnige, en soms gewelddadige, veranderings wat rondom hom plaasgevind het, te interpreteer. Terwyl die kunstenaar honderde skilderye voltooi het waarvoor hy bekend is, vorm sy tekeninge die kern van sy werk. 'Die hart van die evolusie van Picasso as kunstenaar en ikoon lê in sy ontwerp - dit is waar sy eksperimentering en visuele deurbrake gegenereer is,' sê kunstenaar en onderwyser Lisa Dinhofer. Picasso, 'n kunstenaar met 'n diepgaande kennis van die grondbeginsels en uitgebreide akademiese opleiding, kon 'n onderwerp dekonstrueer, dit in die minste reëls lewer en tot die wese kom. "Dit verg die gedetailleerde kennis van 'n meestertekenaar om 'n voorwerp in sy eenvoudigste vorm uit te beeld," sê Dinhofer. "Nie met 'n versagde Conté-merk nie, ook nie met 'n gekapte opbou vir volume nie, nie in gelaagde skakerings van grafiet om 'n gebied te modelleer nie, maar 'n direkte lyn wat alle vorm en ruimte oordra."

Nusch Eluard
deur Pablo Picasso, 1938,
houtskool en grafiet op doek.

Picasso se lynwerk het die innerlike en buitenste vorm van sy onderwerp aangedui, en hy kon die prentvlak vul deur volumetriese besonderhede te verwyder. Dit kan gesien word in portrette soos Max Jacob, Portret van Erik Satie, en Helena Rubenstein. As hy na sy eksperimentering met lyn en vorms kyk, kan kunstenaars verstaan ​​hoe Picasso kykers gedwing het om voorwerpe op nuwe maniere te sien, en steeds ons grense druk. Sy meesterstuk Guernica, wat in 1937 geskep is, beliggaam die veranderende teorieë van die kunstenaar en eksperimenteer met lyn. Soos Dinhofer opmerk: “Die samestelling is uitsluitlik gebaseer op die samestelling van ruimte en lyn. Die uitbeelding van die binneland en die landskap is afgeplat, wat elke figuur op die voorgrond stoot. Die resultaat is 'n oorweldigende aanranding ... met 'n vet, ononderbroke lyn, uitgesnyde vorms en 'n saamgeperste prentvlak. '

Kunstenaars van alle vlakke kan na die werk van Picasso kyk en op verskillende punte in hul artistieke verkenning iets nuuts leer, net soos die kunstenaar self mettertyd verander het. "Picasso word dikwels as 'n tekenaar beskryf," sê Procter. 'Sy tekeninge is virtuoos, verbasend tegnies en opvallend, sluwe vindingryk.' Picasso dekonstrueer sy onderwerpe tot die blote wese van lyn en wys kykers en kunstenaars dat tekenwerk die grondslag van kuns is.

Naomi Ekperigin is die redaksionele assistent van Amerikaanse kunstenaar.


Kyk die video: How to Hold and Control Your Pencil (September 2021).